戴羽毛帽的年輕人

《台灣富邦美術館》攜手《托雷多美術館》的《古典光影大師》展覽，正在《富邦美術館》展出。52件歐洲大師珍藏，橫跨16至19世紀，重現歐洲繪畫的黃金時代。

File:Rembrandt - Portrait of a Man with a Plumed Hat.jpg

1. 戴羽毛帽的年輕人（1631年作）

Young Man with a Plumed Hat

林布蘭·哈爾門松·范萊因（1606-1669）

Rembrant Harmenszoon van Rijn

81.3 x 66cm 木板油畫

美國托雷多美術館藏

畫中的年輕人，坐在黑暗中，戴著插著羽毛的黑色絲絨帽，脖子上掛著精緻的金鏈條。裝扮帶著歷史和神話氛圍，並非當時荷蘭人的日常服飾。一束強光從左側打在年輕人的臉頰與衣領上，製造出強烈光暗對比，創造了新肖像畫風格：明暗對比（Chiaroscuro）營造出一種神祕、內省和視覺張力，細節卻都消失了。這種畫，當代荷蘭稱之為Trone（角色研究），屬非定製的肖像，沒有委託人，沒有主角。畫家利用模特，穿上華麗、充滿異國情調的服飾，捕捉心理神態的創作。

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File:Rembrandt Harmensz. van Rijn - Man in a Fur-lined Coat - Google Art Project.jpg

2. 身穿皮大衣的男子（約1655–1660 年）

Man in a Fur-Lined Coat

Rembrant Harmenszoon van Rijn

114.9x 88 3 cm 木板油畫

美國托雷多美術館藏

畫家54歲的作品。筆觸變得更自由，更粗獷。林布蘭以精湛的油畫堆疊技巧（Impasto），展現出毛皮的鬆軟厚重、衣料的經緯質感，以及飽經風霜的皮膚機理。男子的目光並未直視觀眾，反映出林布蘭晚年面對破產與親人離去時，帶著沉默、憂鬱、失落，對人性的無奈感。

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https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Thomas_de_Keyser_-_Syndics_of_the_Amsterdam_Goldsmiths_Guild_-_Google_Art_Project.jpg

1. 阿姆斯特丹金匠公會眾理事 (1627年作)

The Syndics of the Amsterdam Goldsmiths Guild

托馬斯·德·凱澤. Thomas de Keyser (l596 -1667)

美國托雷多美術館藏

荷蘭黃金時代肖像畫家凱澤，以生動的筆觸，描繪了17世紀《阿姆斯特丹工商業精英》的群像。畫中四位理事，身著黑色絲緞禮服，搭配精緻的白色輪狀皺領，展現當時荷蘭富有市民階層的典型裝束，帶著低調的奢華和莊重新教徒的身份。理事們手中握有卡尺與檢驗工具，桌上散落著金銀工藝鏈飾與半成品，揭示了他們審查原料成色、衡量工藝水準的專業職責。畫家對人物的描寫，細緻完美，使每個委託者都十分滿意。構圖巧妙，人物排列在對角綫上，創造了空間深度。理事們透過轉身、手勢與直視觀者的眼神，營造出自然的臨場感，生動地呈現了當時工商業精英的風采。

圖1&2 兩幅畫相差4年，都代表著十七世紀荷蘭成熟的肖像畫。

圖1: 完美記錄的群體肖像畫。

圖2: 畫家對光線和自我探索的作品。兩種截然不同的肖像畫，都無愧於它們所屬的黃金時代。然而，事實證明，當世與今世，林布蘭更勝一籌。藝術的洪潮中，優勝劣汰，就在能否創造出動人的故事，感人的作品。

在展示林布蘭作品的佈展墻上，寫着：

若能讓我坐在這幅畫前凝視兩個星期，哪怕代價是少活十年且只能吃乾麵包果腹，我也心甘情願。——梵谷。林布蘭粗獷的筆觸、啓發了這位年輕的愛慕者。

林布蘭年少成名，半生潦倒。一生創作豐沛，門下弟子眾多，在世時即享有盛名。林布蘭的自畫像就有100多幅，他以自畫像作自傳，記錄他得意和失意的人生，真誠而不驕情。

阿姆斯特丹藝術市場

17 世紀荷蘭擺脫西班牙統治，海外貿易《如荷蘭東印度公司）繁榮，阿姆斯特丹成為歐洲最富庶的城市。與其他地區不同，荷蘭的藝術贊助者是富裕的商人和市民，而非皇室或教會。市民階級興起，促使「中小型畫」需求大增。市民喜愛寫實、彰顯身份或具異國情調的畫作，掛在自家客廳裡。此外，17 世紀是科學革命時代，荷蘭人在光學、醫學和哲學上取得重大突破。林布蘭對光影的追求，對內心世界的細膩刻畫，呼應了當時對「探索客觀世界與人類心靈」的渴望，在阿姆斯特丹藝術市場上很暢銷。

*你當然會說我應該務實一點，應該要用他們想要的方式畫。好吧，我告訴你一個秘密。我試過了，而且非常努力地試過了，但我做不到。我就是做不到！這就是為什麼我有點瘋。

*沒有氛圍，一幅畫就什麼都不是。

https://www.goodreads.com/author/quotes/295679.Rembrandt_van_Rijn

光影大師林布蘭

聖達勉堂苦像

聖達勉十字架 San Damiano Cross

高193 x 寬129公分

12世紀大型聖像

木板蛋彩畫（Egg Tempera）

原屬義大利阿西西聖達勉堂，現藏聖嘉勒聖殿。

這是一個一千年前，拜占庭風格的彩繪十字架，把耶穌受難的故事，全畫在十字架上。耶穌身軀挻直，雙眼睜開，直視前方。圖像中的基督，是戰勝死亡、散發復活希望的君王。祂張開雙手，讓眾人歸向祂。

耶穌身邊，畫了所有陪伴耶穌一同走過苦路的人物。上方畫了穿上白袍，象徵已升天的耶穌，有天使相迎。最上方有天主伸出兩指的右手，象徵基督從死者中復活。聖達勉堂十字架，不僅描繪了苦難，同時展現了基督的復活與光榮升天，是一幅「視覺福音」。

聖方濟各

椐記載，1257年，年輕的聖方濟各，到了聖達勉教堂，在十字架前祈禱。天主向聖方濟各顯現，並賦予他復興教會的使命。聖達勉十字架，便成了日後方濟會的核心象徵物。

十字架拜占庭藝術特徵：

金箔背景：代表神聖、尊貴。

正面平塗：肅穆的人物，正面迎人，雙眼圓大且深邃，直視觀者。

去寫實化：身軀常被拉長，衣褶呈現僵硬、幾何化的線條，捨棄世俗肉體的立體感。

色彩鮮明：色彩豐富、濃烈。在金色的襯託下，表現華麗、莊嚴。

神聖符號：人物頭部皆帶有圓形光環，並常配有希臘文縮寫的銘文和各種象徵的符號。

蛋彩畫作：用蛋黃+乾燥色粉+水製成的顏料，具有快乾、持久的特性。顏色乾後堅硬如石，色彩柔和，略帶光澤，是歐洲聖像畫的主流技法。

創作目的：建立一個精神性、象徵性、永恆感，超越世俗，導引觀者祈禱默想。

拜占庭帝國

拜占庭帝國，即東羅馬帝國。當時的領土，大約是今天的希臘、土耳其西部以及巴爾幹半島一帶。從西元 330 年君士坦丁大帝建都，一直延續到 1453 年陷落，橫跨了整整 1,123 年。它不僅是古希臘與古羅馬文明的繼承者，也是中世紀歐洲重要的軍事與文化屏障。

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https://www.pallasweb.com/ikons/ikon-gallery

/christ-pantokrator-from-sinai.htm| C

西奈山全能者基督像

約創作於公元 6 世紀（查士丁尼大帝時期）

木板熱蠟畫（Encaustic)

藏於埃及西奈山聖凱瑟琳修道院

現存最古老的拜占庭畫作。帝國曾因宗教與政治爭議禁止使用聖像，導致大量早期聖畫被毀。公元 843 年，聖像崇拜獲平反，「正統勝利」，並正式確立了極為嚴格的聖像畫規範。在 1054 年東西教會大分裂之前，拜占庭藝術風格，成為整個基督教世界的共同語言。

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https://zh.wikipedia.org/zhtw/%E8%81%96%E9%A6%AC%E7%88%BE%E8%B0%B7%E8%81%96%E6%AE%BF%E5%AE%97%E4%B8%BB%E6%95%99%E5%BA%A7%E5%A0%82

威尼斯聖馬可大殿 (1617年竣工)

St. Mark’s Basilica, Venice, Veneto, Italy.

意大利威尼斯聖馬可大殿，整座建築從穹頂馬賽克到壁畫，全由拜占庭建築師及工匠完成。

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https://www.smn.it/en/artworks/the-crucifix-by=giotto/

新聖母大殿十字架像（13世紀）

Crucifix of Santa Maria Novella

喬托 Giotto di Bondone(1266- 1337)

578 x 460 cm 木板熱蠟畫

喬托透過光影的精細調和、薄透的布料描繪，以及對人類真實痛苦的觀察，把「神」帶回了「人間」，被後世藝術史學家公認為文藝復興人文主義的起點。

拜占庭藝術衰亡

1453 年，君士坦丁堡陷落，拜占庭帝國滅亡，西方人文主義崛起。14至15世紀，西方文藝復興畫家，如喬托、達文西、拉斐爾，強調解剖學、線性透視與光影明暗，追求人間的真實與情感，使得規範嚴謹、「神性」的拜占庭風格，漸漸衰亡。

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By Leonardo da Vinci - Getty Images, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=64103353

救世主 Salvator Mundi (c.1490-1519年作)

傳為達文西(1452-1519)作品

胡桃木板面油畫 45.4 x 65.6 cm

收藏: 不明

耶穌安詳的凝視著世人，右手食指與中指交叉(祝福)，左手捧著水晶球(世界)，象徵賜福與世人。達文西所開創的新技巧 sfumato (義大利語，來自 fumo 煙霧)，運用沒有輪廓線，霧狀、模糊的繪畫技巧，賦予物體豐潤而細緻的立體感。柔和的耶穌，一如達文西的「蒙羅麗莎」，含着一種達文西特有的神秘和壯嚴。「神」與「人」還有個距離。

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By Paul Gauguin - Buffalo AKG Art Museum, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=188019657

黃色基督
The Yellow Christ（1889年）

保羅.高更 Paul Gauguin（1848-1903）
油畫 91.1×73.2cm

美國紐約州水牛城奧爾布賴特-諾克斯藝術館藏

三個法國農村布列塔尼的婦女，虔誠而安祥地圍繞著，被釘在十字架上的基督。秋色正濃，黃葉滿地，遠處農人正在收割。這片熟悉的家園，以及婦女們在秋收後進行的晚禱，將宗教與當地的日常生活緊密連結在一起。高更用平易近人的方式，描繪了平凡人對信仰的虔誠。

2千年來，最多人畫的肖像，就是耶穌，各年代對耶穌的詮釋，各有不同。高更繪製的耶穌，有著「聖達勉十字架」耶穌的樣子，耶穌和善慈祥，「神」回到了「人心」。

AI & 自畫像

1. 自畫像（1975，43歲的作品）

費爾南多．波特羅Fernando Botero (1932 -2023 )

油彩畫布 141 × 118 cm

哥倫比亞波特羅美術館藏

台北中正堂正在展出《圓潤的魔法：波特羅特展》

首先要說的是，波特羅不是胖子，他畫的也不是胖子。這張自畫像，構思傳統、人物生硬。不一樣的是，主角的體積，被刻意誇大、圓潤化了。僵化木納的臉，結實龐大的身軀，看不見筆觸的平塗、鮮明飽和的色彩，成了波特羅藝術的魔法，營造出一種既莊重又帶有幽默的豐腴之美，被譽為「波特羅風格 Boterismo」。

從此，定型了的「波特羅風格」，成為畫家的不二法門。不論是畫聖母、名畫翻新、馬戲團、拉丁美洲街景，靜物、水果、水壺，甚至嚴肅政治暴力的題材，手法全都是一模一樣。

波特羅一生創作油畫、素描、水彩作品及巨型青銅雕塑，多達數千件以上。他曾在巴黎畫油畫、摩納哥畫水彩、義大利做雕塑，近乎強迫症般地瘋狂創作。可是，他的核心美學幾乎沒有改變。

行走在展場中，看了118幅相同的臉，相同風格，改了場景，換了服裝，讓人產生「視覺疲勞」和「看膩了」的感覺。最麻煩的是，定型的「波特羅風格」，人人都可以倣照，包括畫家自己。

問問 Gemini：

請用你認為合適的風格，畫一張波特羅的自畫像。

10秒鐘後， Al生成了「波特羅自畫像」，笑咪咪的波特羅，伴著他的名畫，沾沾自喜。完美的自畫像，比起原畫，少了藝術感和幽默感。

2. 自畫像（1890，43歲的作品）

亨利 . 盧梭 Henri Rousseau (1844-1910)

油彩畫布 113 × 146 cm

現藏紐約現代美術館

愛穿西裝自學的「星期天」畫家盧梭，拿著畫具，在巴黎橋前擺個 pose。腳下錯畫的影子，使他好像要飛起來。怪怪的雲、黑色的熱汽球、堆積的城市景色。自畫像是幼稚還是木納；膚淺，還是充滿幻想；缺乏基本技巧，還是返璞歸真。盧梭的畫，不屬任何派別，任何時代。他一直為自己打造詩意般、超現實的幻境。看起來老套，卻又很前衛，羸得藝壇很高的評價。

問問 Gemini:

請用你認為合適的風格，畫一張盧梭的自畫像。

Al 快又準的重建了自畫像。將背景碼頭替換為神祕的巨型叢林，擺飾上盧梭藝術中常見的獅、豹、鸚鵡。章法順了，Al畫作，完美無缺，少了天真，不再可愛。

3. Morgan Freeman 肖像畫

凱爾. 蘭伯特 Kyle Lambert

數位繪畫 I-pad painting

原照片攝影師 Scott Gries

凱爾. 蘭伯特 Kyle Lambert ，英國藝術家/插畫家/電影海報藝術家，依照Scot Gries 所拍費里曼的照片，在 Ipad Procreate 程式上，花了200小時、285,000筆觸，完成極其迫真的肖像，功夫了得。網上流覧1.7千萬次，15萬人按讚，曝光率強，人人可以下載。在蘭伯特細微的筆下，剛硬內歛的老牌藝人，深情的眼神，微微向上的雙唇，含着一絲柔情，說不盡的千言萬語。