梵谷自畫像1889(畫引子34)

自畫像 Self Portrait (1889)
文生 . 梵谷 Vincent Van Gogh (1853-1890)
油畫 65 x 54 cm

法國奧塞美術館收藏

這是自學畫家梵谷，人生最後畫的自畫像。有別於其他的自畫像，他以平和的色調，來完成全畫。夢幻的圖騰、扭曲的筆觸，安然中仍帶着騷動。褐色的髮鬚、緊繃的眉頭、閉合的雙唇、懷疑的目光，仍傳達着不安與不甘。

梵谷把作此畫後的心情，给弟弟西奧寫道: 

「請你細看這幅畫，我希望你會注意到我的情緒已較平靜，雖然我的眼神還是那樣的不安。」他在告訴西奥，他的病情，已有好轉。此畫作完成於1889年9月，離他逝世的日子，1890年7年29日，還有11個月，那時候的梵谷，對人生仍然抱有希望。

梵谷在世37年，共畫有37幅自畫像，記載了他失敗的現世人生，和傑出的藝術人生。

文生.梵谷 (1853-1890)

* 19世紀畫家，生於荷蘭，生活於法國，與塞尚、高更同為「後印象派 Post- Impressionism」三傑。

* 其父為新教牧師，育有六名子女。長子文生夭折，梵谷誕生，亦名文生，取代去逝長子。梵谷堅守信仰，悲憐弱勢，擁有狂熱的救贖使命。

* 11歲，就讀於私立寄宿學校，學法文、英文和德文，喜歡文學和繪畫。15歲休學。

* 16歲，進入其叔父在巴黎經營的藝術經紀公司，學習銷售藝術複製品，並大量閱讀古今藝術，及常流漣於博物館，培養了鑑賞美術的好眼光。

* 20歲，受初戀失敗打撃，無心工作，造成同事與顧客不滿，不得不請辭。

* 23歲後，屢嘗失敗的命運，得不到渴求的愛情、受解顧的店員、不被神學院取錄的學生、受辭退的臨事傳教士等等。他像個天真的局外人，不懂如何融入這複雜的人世。

* 25歲，他如願成為傳教士，赴煤礦區與貧苦人一起，同住同食；為礦工讀聖經，安慰病人。生活困苦，仍不放棄讀書和作畫，畫下礦工的辛勞。他如苦行僧般履行使命，被上級認為他「有損教士的尊嚴」，而遭解職。在極度失望中，梵谷放棄了傳教工作。

* 27歲，在弟弟的建議和經濟緩助下，決心要當畫家，遷入海牙的一間畫室。在表兄畫家毛沃指導下，完成第一幅色彩單調的油畫。

* 28歲，出於同情，與已懷孕及帶着一個孩子的妓女茜恩同居，導入愛河，因家人反對而終結。

* 30-35歲，專心研習，勤奮作畫，常模倣米勒，寫的是平凡中的豐盛。認識了印象派的畫家後，及受日本色彩鮮明的版畫影響，開始用強烈彩色和筆觸，形成自己獨特的風格，然作品卻無人問津。

* 35歲，在巴黎認識畫家高更，並邀來訪其阿爾的住所，一起作畫，一起計劃梵谷心中的「藝術家公社」。在梵谷過度期望下，友情告急。失望之餘，割下左耳下部，送交一名妓女。次日，警察發現他受傷卧床，把他送入醫院，高更離去。

* 35-37歲，梵谷的信中，寫下曾有多次的精神崩潰，後世研讀他確實患有一種癲癇症，伴有急性精神錯亂和幻覺。這次事件後，他自動進入精神病院，接受療養。兩年後出院，在麥田因槍受傷。兩天後，傷勢不治，死在他致愛弟弟懷中，年僅37歲。(下圖: 法國報章作了報導。）

https://www.atlasobscura.com/places/auberge-ravoux

梵谷27歲開始畫畫，十年內，共畫了2000幅畫，其中油畫佔900張。在生命最後的兩年、出入精神病院期間，完成人生最重要的200多張油畫。可他一生，只以低價售出兩幅畫和一些素描及複製畫。1998年，梵谷的自畫像，在纽約以7150萬美元售出。

 梵谷給弟弟西奧，寫有900封信，文彩非凡，熱情感人，成為研究梵谷藝術最可靠的文獻。

我的畫賣不出去，對此我毫無辦法。然而，總有一天人們會明白，它們的價值要遠高於上面的顏料以及我本人的生命。

情感有時強烈得令人不知不覺地工作......筆觸就像一席話或一封信裡的字眼一樣，源源而出，而且凝聚起來。

用「愛」比「沒有愛」，不是能更好更準確的去「感知」一件事物嗎？

我就是我的畫 I am my painting

梵谷的畫

梵谷以「自我」投入，畫出向日葵的天真自在、熱情奔放、親切感人(下圖)，並稱它是「my sunflower，我的向日葵」。

梵谷在世人眼中，是個完全的失敗者。他有情有義，非理性行為，為世俗不容。鄰人稱他是傻子、瘋子，他只能以藝術來規範自己無法適從的人生。梵谷的世界，沒有誡條、沒有對錯，直率的筆觸、沒有隱藏。濃烈的色彩，帶着次序與和諧，對人生依然抱着希望。 他的年代，沒人懂他。如今，他的畫，感動了千千萬萬的人。

梵谷的傳奇

美國知名導演 Julian Schnabel 的新作「在永恆之門前」，想透過梵谷的眼，講述梵谷生命後期的故事。在梵谷的世界中，只有他和他的畫。最後，梵谷被鄰居少年的惡作劇所槍傷（而非一般所說的引槍自殺），我想是對梵谷的平反。在戲中，他說他不曾擁有過槍。良善的梵谷，始終沒有舉報殺害他的人。(見拙文https://jinnaart.blogspot.com/2019/03/blog-post.html)

梵谷說：「我就是我的畫」。梵谷的畫，生氣勃勃，熱情揚溢，沒有半點厭倦人生。梵谷的傳奇，盡在他的畫中、書信中，他教人相信，在所有的失望中，不要放棄希望。

梵谷自畫像集

「拾穗者」臨摹

米勒「拾穗者」臨摹

Homage to Millet "The Gleaners"

Jinna 2021年作

油畫 90 x 90 cm

終於把看畫、讀畫與品畫，連起來了。此番看了名畫、讀了好畫，很想臨摹大師的作品。

多年前，在奧塞美術館看米勒的「拾穗者」時，驚喜於看到大師真跡，卻未及細賞。多年後，再詳讀「拾穗者」的身份、来由，從看畫到讀畫，主觀加上客觀，印象深刻。及至臨摹「拾穗者」後，跟着米勒走一次他的心路歷程，從看畫到讀畫到品畫，才真正的認識了米勒，印象難忘。

一筆一筆的追踪下，他的色盤單調、不鮮明。米灰色中，加有灰黃、灰藍、灰紅、灰綠；棕色與黑色，造成影子。他的筆觸很重，不精細。他的色澤，很乾枯，婦女的臉和手，特別粗糙。然，這就是他要畫的，他懂的，農民的艱辛。他的畫很粗獷，很乾枯，很來勁，如同他的人，很奮力，很堅持，為農民出聲。米勒要「以崇高的感覺對待平凡，賦予藝術真正的力量。」他的三位「拾穗者」，平凡而粗糙，卻很有力量。他是農民，也是農民的畫家，我想他做到了。

從看畫、讀畫到品畫，我真正品嚐到「拾穗者」的滋味，是苦澀中的甘美、是知足中的豐盛。

讀米勒的「拾穗者」，請看上期拙文: 拾穗者 (畫引子33)。

拾穗者 (畫引子33)

拾穗者 The Gleaners (1857)

米勒 Jean-Francois Millet (1814-1875) 

油彩布本 83.8 x 111.8 cm

巴黎奥賽美術館收藏

三代勤勞的婦人，在莊稼人忙於秋收的前方土地上，拾起剩下的麥穗。左邊戴藍帽的年輕婦人，彎着腰，左手放背，拿着麥穗，動作勤快。中間戴紅帽的中年婦人，深彎着腰，邊拾邊把麥穗放入口袋，動作艱辛。右邊戴黃帽的年長婦人站着，手執麥穗，正想重新彎腰拾穗，動作緩慢。婦人們重覆着無休止的辛勞，只為生存。

拾穗，養活了貧苦中最勞苦的人。在米勒的筆下，她們壯實的身影，帶着勞動者的高度，不卑賤，沒有哀傷。

「拾穗」是西方古老習俗，農收後，莊稼主都會留一些麥穗，憐憫貧苦的人。舊約聖經「盧德傳」中，記載孝賢的異邦婦人盧德，在丈夫去世後，仍不離不棄，跟隨她的婆婆，信奉天主，並拾穗來養活她。盧德的孝賢，感動了丈夫的兄弟波阿次，娶她為妻，並應允為其已亡兄弟之家族立嗣，保存了婆婆的支派，盧德便是這支派中，赫赫有名達味王的祖母。行善積善果，便是「拾穗」的精神。

43歲的米勒，以寫實帶點粗獷的手法，描繪了田園間的實際生活。後方，三個高堆的麥垛，忙着載運的農夫，騎着馬的莊稼主，和遠方的教堂，在曚朧中，做了配角。三個婦人，背着光，遮掩了粗糙與平凡，如三尊雕像，站立在神聖的土地上拾穗，構成一幅優美、沉重、意境崇高、歌頌最卑微勞動者的作品。1857年，「拾穗」獲展於法國「沙龍畫展」中，卻因題材而飽受中上層階級質難，一時聲名狼藉。

米勒 (1814-1875) 

* 19世紀法國巴比松寫實派最著名的畫家。

* 米勒出於法國農家，是虔誠的基督徒。幼年曾幫忙田間農作，熟悉農務，成為他日後畫作靈感的來源。

* 19歲，父親送他到肖像畫家學畫。兩年後移居巴黎繼續學畫。

* 26歲第一幅肖像畫入選沙龍，開始了肖像畫家職業生涯，日後卻以描繪農村生活聞名。

* 32歲作品成功入選沙龍，政府收購了他的作品。第一任妻子早逝，無嗣。

* 35歲與第二任妻子及九個小孩，遷往巴比松村定居。

* 39歲作品得沙龍二等獎，獲官方認可及訂購。他的畫，有知音，生活穏定。

* 56歲被選為沙龍的評委，經濟狀況好轉，卻因健康狀況不佳，無法履行政府之委托，五年後病逝。

巴比松畫派 

巴比松村

1830年至1870間，巴黎郊外，楓丹白露森林路口的巴比松村，聚集了一群熱愛大自然的現實派畫家。他們出自中下階級，許多不曾受過正統美術訓練，他們被稱為巴比松畫派。

康斯達伯(1776 - 1837)

1824 年，巴黎沙龍，展出英國畫家康斯達伯的「乾草車」，活生生的色彩與筆觸，沒有潤飾，畫出活生生的鄉土氣習，獲授金牌獎，也感動了許多年輕畫家，回歸田園，成就了巴比松畫派。

描繪自然的願望

巴比松學派，脫離浪漫主義的不切實際，傳達另一種不同於主流的美感。他們擁有描繪自然的願望，記錄農村生活的樸實，令人看到小人物的沉默刻苦，大自然的溫柔包容，和生命力的生生不息。他們著迷於研究自然中的空氣與光線的變化，熱中表現大自然的粗獷與剛強。他們是純粹風景畫的先驅，也是印象派的前驅。

米勒的畫

地平線下的農民，樸實，虔誠。站在土地上，祈禱、感恩。米勒要「以崇高的感覺對待平凡，賦予藝術真正的力量。」

米勒在他的書信上提到:

「我想把所有必要的東西，都強烈而完整地表達出來，因為軟弱的說出來，還不如不說。

「他們（巴黎藝術評論家）想強迫我接受他們的畫室內的藝術，損毀我的意志。不，不！我生為農民，死為農民。我說我所感，我畫我所見。我堅守陣地，絕不退縮；如有必要，我會作戰到底，並以此為榮。

「說實話，農民題材最適合我的天性，因為我必須承認，冒著你把我當社會主義者的風險，人性是藝術中最讓我感動的......

「對我來說，快樂的一面沒有表現出來; 我不知道它是否存在，但我從未見過它。我所知道的最快樂的事情是平靜、寂靜，無論是在森林還是在土地裡。不管土壤是否可耕種，都很美。它總是給你一種很夢幻的感覺，雖然是一個哀傷的夢，卻很美。

米勒 (1814-1875) vs 梵谷 (1853-1890)

梵谷喜歡米勒，曾多次模仿他的作品，很明顯的，梵谷不是農夫，作畫的動機及結果，截然不同。(請待以後文章分析)。

米勒 vs 梵谷 vs 畢卡索 (1881-1973)

米勒的「午睡」，寫實、安詳 (上圖1)，「人性是藝術中最讓我感動的」，代表了現實主義。

梵谷摹倣了米勒的「午睡」，卻用自己活潑的色彩和筆觸 (上圖2)，變成只屬梵谷的獨特風采，「我就是我的畫， I am my painting」。代表了後印象主義。

畢卡索索性以戲劇式的誇張 (上圖3)，使「午睡」變得自由、喜樂、甜美，「我畫我想像的，不是我看見的」，屬畢卡索「新古典時期」的作品。比一比，你喜歡那一幅 ?

米勒作品集

下期預告: 

7 月10日  :  Jinna 臨摹「拾穗者」畫作。

7 月17日  :  畫引子「梵谷」整合。

7 月31日  :  將介紹新畫引子「梵谷與米勒」。敬請留意，謝謝。

呔月之犬 (畫引子32)

呔月之犬 Dog Barking at the Moon (1926)
米羅 Joan Miro (1893-1983)
油畫布本 73 x 92.1 cm 美國費城美術館藏

我們看米羅的畫，要用想像的。狗、新月、鳥、梯子、黑夜。「吠月之犬」是一則加泰隆尼亞的民間故事，狗對著月亮吠叫，月亮說：「我才懶得理你呢！」長長的梯子，伸入黑夜中，遇見飛鳥。米羅在說夢 : 空虛、弧獨、求助、無援；思鄉、渴望、逃脫、自由；怪𧩙、荒謬、還有.....

米羅的活潑題材及鮮豔色彩，來自家鄉，點亮著背景的黑暗與虛無。在非理性的殘暴現實中，渴望家國自由。米羅有如「呔月之犬」，在無情的時代中找尋意義，在現實的荒謬中找尋出口。

米羅 Joan Miro (1893-1983)

20世紀西班牙畫家、雕塑家和陶藝家。 生性內向，靦腆寡言，喜歡幻想，從小就想成為畫家。26歲從家鄉到巴黎，便要面對一個「流派 -isms」林立的時代。米羅生於兩次世戰最動亂的年代，他卻以超越自我的藝術，對抗這一切的不幸，撫平這一切的荒謬，啓發一個給觀者伸展無限暇想的新領域。

超現實運動 :

1924年，31歲的米羅，投身「超現實運動 Surrealist Movement 1920-30年」中。這個運動影響了整個歐洲，含括了文學、詩、音樂、戲劇和藝術。

超現實主義理論起源：
1.精神分析學家弗洛伊德Sigmund Freud(1856 - 1939)的理論，認為:

「現實中、實現不了和受壓抑的願望(潛意識)，往往以扭曲的形式出現在夢中」。「夢是願望的滿足」。

2.達達主義 Dadaism (1917年成立於瑞士聯邦的蘇黎世城)主張反戰、反傳統、反藝術。追求無意義的、非理性的隨興與偶發。

3.1924年，詩人Andre Breton 在巴黎發表了第一篇「超現實主義宣言」：
「意譯: 純粹的心理無意識行為（以口語、文字或其他方法)，取代實際的思考運作，完全不受控於理性，亦不作任何美學或道德的考量。」

「當我開始畫畫時，畫就在筆下做出了建議與判斷，畫出一個女人或一隻鳥的感覺.....作畫的第一階段是自由的，無意識的......第二階段就要小心盤算了。」

米羅的畫
*是詩篇、是樂章、是謎語......
*是潛意識、是夢境、是願望.....
*是 Cry of Joy（喜的淚）, 療癒時代的憤怒和悲傷。

*是 Ladder of Escape （逃生梯），通往生命渴望的自由。

發覺超現實主義的畫作，都會有意想不到的標題。Sense the senseless， 把無意義的畫，說個明白，只是說了也徒然，還是讓觀者自己去領會吧！

加泰隆尼亞風景(獵人) 1924年作
Catalan Landscape (The Hunter)

米羅 Joan Miro (1893-1983)
油畫布本 64.8 x 100.3 cm
美國紐約MOMA美術館藏

林林總總的物體，造型活潑，顏色鮮明。構圖嚴謹，技巧熟練。土黃配粉橘的背景，和諧悅目。

歸根究底，米羅的畫，還是帶有一切美學的基準，逃不出美學審判的法眼..........很美。當所有傳統價值都遭到「虛無」唾棄時，這位加泰隆尼亞的老兄、還是保有一顆純淨的心，令人驚艷。

家鄉之光

米羅，生於西班牙東北、加泰隆尼亞Catalonia自治區的首府巴塞隆納。加泰隆尼亞曾多次起義，脫離西班牙的統治，始終未遂。 身為加泰隆尼亞人，米羅堅守家鄉的傳統，戰戰兢兢地傳遞著家鄉濃密細緻的鄉土氣息，一生無悔。

米羅單純，生活有條有理，活在自己的畫中。他把內心的意識，投射成符號：星星、月光、圓點、眼睛、女人、小鳥、梯子等等，代表著他的宇宙天地。他用原色作畫，不經意的在畫布上天馬行空，無拘無束。他的吶喊，還是帶著詩意。他用零汚染的純真，呼喚著荒謬世界也可有美夢。他帶著凱旋回家，成為家鄉之光。

米羅 vs 畢卡索

比一比兩位90歲老人的自畫像:米羅的善與平和vs畢卡索的惡與控訴。兩張畫，都很大膽有力，毫不隱瞞的說：這就是我。

畢加索(1881-1973)與米羅(1893-1983)，相差12歲。生於同時、同地。是同鄉，也是好友。

初到巴黎，米羅就拜訪了同鄉畢卡索。畢卡索曾買下米羅 26 歲的自畫像，作為肯定與鼓勵。

米羅自畫像1919年，26歲作

在畢卡索的引薦下，米羅認識了巴黎藝術界的畫家、畫商及各式各樣的畫派。對畢卡索的畫，年輕的米羅表示了失望，他決意要走與畢加索相反的路。

畢卡索的自負和米羅的真誠
畢加索的名言:
「我畫我想像的，不是我看見的。」

「今天的世界已不合理，那我為何要畫出合理的畫呢 ?」

米羅卻說：

「當我站在我的畫布前，我不知道我會做什麼，我是第一個被畫出的東西感受到驚訝的人。」

藝壇之光

兩人同行於20世紀藝壇中，同樣天賦奇才，多才多藝，熱中於繪畫、壁畫、版畫、雕塑與陶器、表現出色。两人也沒有辜負上天賜予的長壽，一生努力不懈，成績斐然。遺憾的是，米羅依然懷著一樣的情操，走不出他的夢。畢卡索卻像走到歪理的盡頭，為創新而創新。然而，他們的真、他們的情，為藝術的奉獻，始終如一。

20世紀，達達主義(1914-1918)掀啓了「反戰、反傳統、反藝術」的運動，米羅與畢卡索，都是箇中的表表者。他們的創意源源不絕，承先啓後，對後世影響深遠，功不可沒。

米羅作品集

Photo courtesy of "Miro", Taschen published

通告：

我會在每月月刊出版中間，加插我的畫，或把以前的文章滙整，成為「畫引子」。本文是我把五篇有關米羅舊作的整合。

預告：  7月3日，將介绍法國畫家米勒 (1814 -1875) 的作品。敬請留意。

活出色彩 2021

保持好心情 ．活出色彩 2021

Easy ． Coloring Life

Jinna 

油彩布本 90 x 90 cm

靜物與花 (畫引子31)

靜物與花 Still-life with Flowers (c.1700)

瑞秋. 魯伊斯 Rachel Ruysch (1664 - 1675)

油畫本布 75 x 58.5 cm

瑞士 Hallwyl 博物館收藏

畫面中，花姿招展。四季奇異珍貴之花，一起繽紛綻放，很完美。巴洛克 S 弧型的動律，色彩華麗，很氣派。師法自然，精工細鑿，很真實。暗色背景中，光灑在花朶上，很立體。花間點缀的小昆蟲，添加了情趣，很豐盛。

荷蘭女畫家，用寫實之花，謀虛擬之境，精工細鑿，端出了美的盛宴，展現了三百多年前，荷蘭黄金時期的繁榮豐盛，和人民對美的嚮往。她的作品，像維梅爾的畫，理性的、美美的、零缺點，深受寵幸。

瑞秋.魯伊斯 (1664 -1750)

*17世紀荷蘭黄金時代，知名花卉女畫家。

*生於海牙，父為植物學及解剖學教授。

*自小隨父收藏植物樣本，練習描繪花卉昆蟲。

*15歲從當地花卉名師阿爾斯特學畫。

*18歲已能獨立銷售自己的簽名作品，也為植物收藏家作標本圖樣。

*29歲嫁給肖像畫家 Juriaen Pool，共育10個孩子。其知名度及畫作收入，使她可以顧佣理家。

*37歲夫婦共入選為海牙繪畫協會會員。

*44歲被任命為德國王子宮廷畫家，並獲准可留在家中，全職畫畫共八年。

*83歲終。一生享有長達60年之久的美好繪畫生涯，當年，她的作品售價，比名畫家林布朗還要高。 她的名聲，享譽國際，直到今天。

魯伊斯 vs 阿爾斯特 (1627 - 1683)

在魯伊斯啟蒙老師阿爾斯特的作品中，可以看到學生深受老師的影響，可老師的名氣不如學生。可能，老師的專注，不只是花卉；也可能，老師少了學生一生的幸運，命也？！

魯伊斯 vs 奥斯特维克 (1630 - 1693)

比魯伊斯大39歲的女畫家奥斯特维克，也以畫花卉知名。其作品獲歐洲皇室以高價收購。她選擇了獨身，不是妻子，不是母親，把一生奉獻給藝術。可惜在當時的封建社會，還是件不被接受的事，使她被拒於阿姆斯特丹畫家協會門外。

那個年代，荷蘭花卉畫極流行。比較三人的作品，魯伊斯明顯的展現了更精確、豐盛、氣派、完美的風采。

魯伊斯 vs 歐姬芙(1887 - 1986)

223年後，美國也出現了一個愛畫花的女畫家歐姬芙。

摘錄拙文:https://jinnaart.blogspot.com/2019/08/the-beyond.html

她的人生就是她創作- total work of art.

她做她的選擇- do things her way.

她用真實、理性、低調、具體的把自已活出她要的樣子。

歐姬芙說:
「當那些人用＜性＞來看我的畫時，他們該是想到自己的風流事吧了。」
「男人們總是把我說成是最好的女性畫家，我卻認為我同他們，都是出色的畫家。」

花卉女王

魯伊斯選擇做母親，選擇做畫家，成功的活出她要的樣子，更不介意做個只畫花卉的女畫家。

魯伊斯存世有簽名和日期的花卉作品，共250幅。她沒有動人的故事和驚世的語錄，她以科學為本，自然為鏡，表現了花卉的極緻。在平凡中，平實的做好自己，聰明的守護着最沒有爭議的題材，避開了以男仕為中心的藝壇競賽，成功的保守了藝壇花卉女王的寶座。

邀您來近距離的欣賞：

預告:  7月3日，將介绍法國畫家米勒 (1814 -1875) 的作品，敬請期待。