當莫內遇見吳昌碩 (一)

台北故宮，正在展出「清未民初的上海畫壇」，共介紹 58 幅自1850 - 1930年間，以吳昌碩為首「海派」畫家的作品。與此同時的歐洲，「印象派」正在崛起，莫內就是其中的創始人之一。這兩位生在同一時代，相隔千里、互不相干的中、西畫家，在相距一年的時間內，畫下了相同主題的畫 - 墨荷及蓮池。「當莫內遇見吳昌碩」一文，即將要探索兩者之同異與優劣。

吳昌碩（1844 -1927) 74歲(1917)時作

143 x 70.9 cm 軸，台北故宮收藏

 
 莫內（1840 -1926) 76 歲(1916) 時作

 200x 201cm, 現藏東京美術館

話說當時的上海，因西方國家欲打開中國緊閉的大門，發動鴉片戰爭。清朝戰敗，簽立各項不平等條約，上海遂成為「國際通商」的五個貿易港之一。通商使上海繁榮，製造了城市的「新富階級」，間接帶動了書畫市場的熱絡。租界區內相對的安定，凝聚了各地各派畫家的互動與交流。所謂「海派」的藝術風格，應運而生。

中國「文人畫」，這一直把持着中國自宋朝起繪畫命脈的畫風，認為畫家應具文人的修養、學問，來表現畫家的內涵。畫家須具備詩、書、畫、篆刻等四樣合璧的能力。畫家要講究品味，著重筆墨趣味。更要為崇高的氣節，不褻以賣畫謀生。這使中國畫，一直以水墨山水為主流。像牡丹、這種代表富貴的主題，至今，我們根深蒂固的思想中，還是覺得「俗」。然而，這正是民間和國際人仕所喜歡及看得懂的東西。吳昌碩「雅俗共賞」的畫風，正在此時此地，為中國繪畫史，開拓了另一片天空。
（請看下期待續。）
鴉片戰爭短片
photo courtesy of National Palace Museum of Taiwan & Wikipedia 

梵谷自畫像

自畫像 Self Portrait (1889)
文生 . 梵谷 Vincent Van Gogh (1853-1890)
油畫 65 x 54 cm

法國奧塞美術館收藏

這是自學畫家梵谷，人生最後畫的自畫像。有別於其他的自畫像，他以平和的色調，來完成全畫。夢幻的圖騰、扭曲的筆觸，安然中仍帶着騷動。褐色的髮鬚、緊繃的眉頭、閉合的雙唇、懷疑的目光，仍傳達着不安與不甘。

梵谷把作此畫後的心情，给弟弟西奧寫道: 

「請你細看這幅畫，我希望你會注意到我的情緒已較平靜，雖然我的眼神還是那樣的不安。」他在告訴西奥，他的病情，已有好轉。此畫作完成於1889年9月，離他逝世的日子，1890年7年29日，還有11個月，那時候的梵谷，對人生仍然抱有希望。

梵谷在世37年，共畫有37幅自畫像，記載了他失敗的現世人生，和傑出的藝術人生。

文生.梵谷 (1853-1890)

* 19世紀畫家，生於荷蘭，生活於法國，與塞尚、高更同為「後印象派 Post- Impressionism」三傑。

* 其父為新教牧師，育有六名子女。長子文生夭折，梵谷誕生，亦名文生，取代去逝長子。梵谷堅守信仰，悲憐弱勢，擁有狂熱的救贖使命。

* 11歲，就讀於私立寄宿學校，學法文、英文和德文，喜歡文學和繪畫。15歲休學。

* 16歲，進入其叔父在巴黎經營的藝術經紀公司，學習銷售藝術複製品，並大量閱讀古今藝術，及常流漣於博物館，培養了鑑賞美術的好眼光。

* 20歲，受初戀失敗打撃，無心工作，造成同事與顧客不滿，不得不請辭。

* 23歲後，屢嘗失敗的命運，得不到渴求的愛情、受解顧的店員、不被神學院取錄的學生、受辭退的臨事傳教士等等。他像個天真的局外人，不懂如何融入這複雜的人世。

* 25歲，他如願成為傳教士，赴煤礦區與貧苦人一起，同住同食；為礦工讀聖經，安慰病人。生活困苦，仍不放棄讀書和作畫，畫下礦工的辛勞。他如苦行僧般履行使命，被上級認為他「有損教士的尊嚴」，而遭解職。在極度失望中，梵谷放棄了傳教工作。

* 27歲，在弟弟的建議和經濟緩助下，決心要當畫家，遷入海牙的一間畫室。在表兄畫家毛沃指導下，完成第一幅色彩單調的油畫。

* 28歲，出於同情，與已懷孕及帶着一個孩子的妓女茜恩同居，導入愛河，因家人反對而終結。

* 30-35歲，專心研習，勤奮作畫，常模倣米勒，寫的是平凡中的豐盛。認識了印象派的畫家後，及受日本色彩鮮明的版畫影響，開始用強烈彩色和筆觸，形成自己獨特的風格，然作品卻無人問津。

* 35歲，在巴黎認識畫家高更，並邀來訪其阿爾的住所，一起作畫，一起計劃梵谷心中的「藝術家公社」。在梵谷過度期望下，友情告急。失望之餘，割下左耳下部，送交一名妓女。次日，警察發現他受傷卧床，把他送入醫院，高更離去。

* 35-37歲，梵谷的信中，寫下曾有多次的精神崩潰，後世研讀他確實患有一種癲癇症，伴有急性精神錯亂和幻覺。這次事件後，他自動進入精神病院，接受療養。兩年後出院，在麥田因槍受傷。兩天後，傷勢不治，死在他致愛弟弟懷中，年僅37歲。(下圖: 法國報章作了報導。）

https://www.atlasobscura.com/places/auberge-ravoux

梵谷27歲開始畫畫，十年內，共畫了2000幅畫，其中油畫佔900張。在生命最後的兩年、出入精神病院期間，完成人生最重要的200多張油畫。可他一生，只以低價售出兩幅畫和一些素描及複製畫。1998年，梵谷的自畫像，在纽約以7150萬美元售出。

 梵谷給弟弟西奧，寫有900封信，文彩非凡，熱情感人，成為研究梵谷藝術最可靠的文獻。

我的畫賣不出去，對此我毫無辦法。然而，總有一天人們會明白，它們的價值要遠高於上面的顏料以及我本人的生命。

情感有時強烈得令人不知不覺地工作......筆觸就像一席話或一封信裡的字眼一樣，源源而出，而且凝聚起來。

用「愛」比「沒有愛」，不是能更好更準確的去「感知」一件事物嗎？

我就是我的畫 I am my painting

梵谷的畫

梵谷以「自我」投入，畫出向日葵的天真自在、熱情奔放、親切感人(下圖)，並稱它是「my sunflower，我的向日葵」。

梵谷在世人眼中，是個完全的失敗者。他有情有義，非理性行為，為世俗不容。鄰人稱他是傻子、瘋子，他只能以藝術來規範自己無法適從的人生。梵谷的世界，沒有誡條、沒有對錯，直率的筆觸、沒有隱藏。濃烈的色彩，帶着次序與和諧，對人生依然抱着希望。 他的年代，沒人懂他。如今，他的畫，感動了千千萬萬的人。

梵谷的傳奇

美國知名導演 Julian Schnabel 的新作「在永恆之門前」，想透過梵谷的眼，講述梵谷生命後期的故事。在梵谷的世界中，只有他和他的畫。最後，梵谷被鄰居少年的惡作劇所槍傷（而非一般所說的引槍自殺），我想是對梵谷的平反。在戲中，他說他不曾擁有過槍。良善的梵谷，始終沒有舉報殺害他的人。(見拙文https://jinnaart.blogspot.com/2019/03/blog-post.html)

梵谷說：「我就是我的畫 」。梵谷的畫，生氣勃勃，熱情揚溢，沒有半點厭倦人生。梵谷的傳奇，盡在他的畫中、書信中，他教人相信，在所有的失望中，不要放棄希望。

梵谷自畫像集

less is more

Less is more

Jinna
膠彩布本 
60 x 72 cm

Less is more

少即多

去繁從簡

有捨方有得

知足常樂

高更自畫像

高更自畫像 Self Portrait with Halo & Snake(1889)
保羅.高更 Paul Gauguin(1848-1903)

木板上油畫79.2× 51.3 cm

美國華盛頓國立藝術館藏

從高更的40多幅自畫像來看，這位自學畫家天賦很高、畫風很廣。與塞尚和梵谷一樣，一生奉獻給藝術，後世稱為後期印象派三大師。塞尚活得最久，默默耕耘，成就非凡。梵谷37歲结束了自已的生命，每張畫都散發了對生命的狂熱！高更的人生，從他的自畫像來看，伴著黃色翅膀，頭帶光環，在蘋果樹前，抓着一條蛇。前景裝飾了奇花，背景平塗了紅色。他是法師、是天使、是撒旦、一心想成為頭帶光環的奇葩！

高更生於巴黎，少時曾住秘鲁。17歲做了水手，23歲做了股票經紀人，结婚生子，過着惬意生活！可他對畫畫激情，使他從一個印象派的支持者而變成印象派一份子。35歲時，他決定離妻棄子，專心作畫，從此達上顛沛流離的一生，最後病死他鄉。我們為高更婉惜同時，也為他這傳奇人生的成就喝彩。畢竟，這似乎是這野性的流浪人，必然選擇的命運。

高更很快樂的成為印象派畫家的同伙，也很快的轉向，並在非洲藝術和日本版畫中找靈感，更為找尋自已的畫風，開始流浪。43歲時，他決定放棄文明，最後到達南太平洋的大溪地，與當地土著一起生活，找尋那天真純樸，重內心本質的人間天堂！

哥更的畫，實而不華。題材原始、色調鲜明、構圖特別、創意無限，影響深遠！自學的他，没有框架束縛。野性的他，挑戰一切不可能。可自負的他，最後還是失落在那夢想的天堂。
然而，他的藝術成就，卻為他嬴得一世的光環。

高更自畫像影片

我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？

By Paul Gauguin - Museum of Fine Arts Boston, Public Domain, 

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=36264337

我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？

D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous? (1897-1898)
保羅.高更(1848-1903)

布上油畫139× 374.6 cm 波士頓美術館藏

1897年12月，保罗·高更於貧病交加、自盡未遂後，開始畫下這幅在粗麻布上，他一生最重要的巨作。

我找到了高更自已對此畫的介紹及評論，並翻譯如下：

 「這 5 x 12 呎的畫，左右上角塗上金色(就像壁畫受損露出了下面金色的牆)，有畫的名字和我的簽名。畫的右下方，一個睡著的嬰兒和三個坐著的女人。後面有兩個紫衣人在互訴心聲。中間夾雜著一個粗壯、彎著腰、舉起了手臂的人，在聽到後面的兩個人在傾談他們的命運，感到震驚。中間的人正在摘果子。孩子旁有兩隻貓，一隻白羊。神像雙手舉起，神秘的韻動著，象徵著未來。彎著手臂的人似乎在聆聽神明。最後，一個老婦安然平和的迎接死亡，故事也結束了。在她的腳下，一隻奇異的鳥抓著蜥蜴。......」

「畫的背景是森林中溪流，後面是大海，再後面的鄰島的山脈。景色看起來有許多色調，但整體的主色是藍色及韋羅內塞綠，使前景那些亮橘色的赤裸人物更凸顯.....我已完成了這件哲學性作品，可說比得上聖經，我覺得它是一件好作品。」

右邊的嬰兒及左邊的老婦，代表了生老病死、人的一生。中間的摘果人，代表人世的歡樂易得，卻不能預測自己的命運。後方的神明代表來世的生命。左前角的白鴿代表死後靈魂。一個獨自深思的人，反省人生的無解，一切生命都會隨著時光而流逝。高更的畫，只是提出疑問：「我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？」沒有答案。

這樣的畫題，這樣的畫風，在那「印象派」活躍的年代，每個畫家都在追求生命中新鮮亮麗的題材時，當然沒有獲得青睞。高更放棄財富與文明，一生坎坷，始終忠於自己，死後作品才聲名大噪。更多的介紹，下期再續。

點選看高更作品集

古琴名師蘇思棣

蘇思棣書法

香港中文大學藝術系校友作品展(2018)

每年都會回香港，參加母校香港中文大學藝術系校友畫展。老中青校友聚首一堂，以畫會友。本期特別介紹校友蘇思棣行草軸。

燕雁無心，太湖西畔隨雲去。

數峰清苦，商略黃昏雨。

第四橋邊，擬共天隨住。

今何許，凭闌懷古，殘柳參差舞。

戊戌春日蘇思棣書

(南宋 姜白石詞 點絳唇)

蘇思棣自述「遊走於中國書畫、古琴、崑曲音樂之間，樂琴書以消憂。」昔日同窗，今為古琴名師、德愔琴社社長，並任香港中文大學與香港浸會大學音樂系古琴導師，及全球巡迴演奏，實母校之光也。聽他講解古琴技法、斲琴、打譜，深入淺出，領聽者共沉醉於古人意境中，一詳古琴之玄妙。

斲琴

良琴之製造，合「尋、斲、挖、鑲、合、灰、磨、絃」九個步驟之傳統手工藝術。「斲」乃劈、削及砍木材之意。「斲琴」即製作古琴之技法。

打譜

古代琴譜並無節奏及細節，「打譜」者必需自已反復彈演、編寫及修正，以求能演奏出古代樂章之完美和自己古琴藝術品味及造詣。

蘇思棣「堅持古法、 師生對彈」，認為「質量比數量更重要」。他說:

「古琴從來都不是大眾樂器，追溯到唐代，白居易亦有此類感慨，覺得古琴在當時未受到大多數人歡迎，還感嘆是因為西域音樂太過吸引人.........擔心同時，古琴藝術始終一代一代傳承落嚟，可以話樂器唔一定要普及，反而每個時期，有一批人對古琴真係好了解，又可以提升同豐富內容，其實已經好好。」

相比之下，他更擔心有些人倡導「重量不重質」的快速普及，會使古琴最深層的東西慢慢消失，與當下的流行音樂無異。

（節錄自香港大公網）

蘇思棣對古琴這一份的執著，就是古琴傳承之道，世世代代，生生不息。

高蹺垂釣

高蹺垂釣. 斯里蘭卡

Stilt Fishermen of Sri Lanka.

Photo by Jinna

最近愛因斯坦的「遠東遊記」在他逝世一個世纪後出版了！當然他是在豪不知情、也許極不願意後人把他的遊記中的評論，公諸於世。這對這世界超級偉人，是否欠缺公平。先不談他對當時中國人的看法所引起的大騷動，且看他形容斯里蘭卡人「勞動很少，需要很少」，是「簡單的生命循環」的屬褒屬貶？！適藉我剛走了一回斯國，對這偉人的評論，特別有所感觸。

斯國尉藍的天接水，高蹺垂釣的漁夫，與自然共生。這「簡單的生活循環」，是斯國曾有過的獨特謀生之道。椐說漁夫立於水中之木蹺，無聲無息的佈下魚餌，魚獲不少。然而，這種覓食的方法，終敵不過捕魚船，而輪為旅遊一景！我們付費看景，可比他們真的釣魚來賣賺得多呢！而我們嚮往的，正是那種「簡單的生活循環」！

百年前的愛恩斯坦看到的斯國，相信與現在的，同樣是一個「要求不高、知足知樂的微笑國度」。人常因比較而有得失。如莊子說:「子非魚安知魚之樂」。「簡單的循環」，亦非壞事也。

麥柯理談垂釣照片

那一刻

那一刻
Enlightened 
Jinna 作品
膠彩布本, 42 x 33cm

斯里蘭卡大學裏的巨大榕樹


那天，認真的斯國導遊Ajip，帶我們去看他的私房景點。巨大的榕樹，任行的迂迴盤纏了許多回，聽說已有三千多年的歷史。古樹蒼勁卻帶著強而有力的生命力，在校園裏樹立了生命的典範，自由奔放，生生不息，永續茁壯。坐在樹蔭下乘涼，那一刻，細細的看，看到樹幹上每個細節都是畫，都是生命的頌歌。
What a wonderful world

芝櫻

芝櫻
Ground Cherry Blossom
北海道東藻琴芝櫻公園
Hokkaido, Japan
Photo by Ha-r-bin & Jinna 

想不到有這麼美! 五月的北海道芝櫻，嬌嫩綻放，染個滿山浪漫的粉紅。10公頃的山坡地，種了120萬株芝櫻。輕盈的走在白木梢步道上，迎來一陣陣淡淡花香。粉紅芝櫻的千嬌百媚，濃濃地、包覆著高低起伏的山坡，宛若给大地添上夢幻的新粧。

芝櫻非櫻花，屬草本科。五片花瓣，有白、粉紅、紫等顏色，其形狀與顏色極似櫻花，故稱「櫻」。「芝」日語中意為「地上蔓生的野草」。芝櫻，可解為「地上蔓生的櫻花」。不同於樹上的櫻花只有一週的花期，這地上芝櫻花期，為半個月到一個月不等。北海道東藻琴芝櫻公園的規模，為全日本之冠。

公園設計很用心。山坡上迂迴延綿的小徑，只容一個人行走。遊人走入花海，如被裹在花毯中，零距離與自然共融。小徑的分佈，設計者是有條理、有秩序的把遊客分散開來。碰到遊客眾多的時候，也只看到一排排在花叢中的人，而也不覺得滿山都是人。人融入了花海，更張顯那一片片粉紅蔓延的宏偉。園內設有大大小小的電動車，為遊客代步。也有小型直升機，帶你在空中賞花。走在浪漫的粉紅花叢中，心情也年青起來。被包圍在這一切有深度、有厚度、立體粉紅中的喜悅，難以形容。美的體驗，增加了我們人生的厚度、深度、寬度，讓我們活出更精彩的人生。

芝櫻短片

水之教堂

水之教堂 Church on the Water (1988)

安藤忠雄   Tadao Ando

日本北海道星野渡假村

Photo by Ha-r-bin 

建築師的巧思，在基地上建造了一道長長 L 型的圍牆，創造了立於水中之教堂，獨立於這繁華塵世之外的天地，與自然共生。

追隨著水波之聲，滿天星空。長長步道的盡頭後，跨入一片的黑暗，只見水池中的十字架和一排白樺樹，在黑夜裏發亮。我們再一次走在圍牆的另一面步道，登上玻璃和十字架構造成的方匣子玄關。白色的柔光下，中央立著四個白色鋼製十字架。

再拾級而下，微弱的燈光下，進入了教堂。維瓦地的「水舞四季」音樂奏起，湖面前5x10公尺十字大玻璃門，向右漸漸拉開。亮光的十字架和倒影、浮在黑色湖水中，與後方的發亮白樺，形成了天然的祭壇。

這一切的迂迴曲折，精心的燈光設計，唯美的完美佈局，使建築師成功地引領我們，到達那可以淨化心靈之所，救贖世人的十字架。

建築師安藤忠雄，一反傳統繁複的教堂造型，以「和自然共生」為概念，用了基本的建材（鋼架、玻璃、清水混凝土），簡潔的造型（方型與十字）、迂迴的巧思（一來一回、一上一下），創建了以自然界為本，在艷陽中、風雨中、飛雪中、星空中，春夏秋冬、感受神聖永恆之美，領世人回歸初心，。

安藤忠雄名言：

「建築之力必須適應於自然之力，建築的目的永遠是在創造一種能讓建築之力和自然之力在矛盾之中共生的環境」。

安藤的作品，以自然簡潔，名譽國際。唯美的「水之教堂」，自然成為「全球結婚教堂首選」。

水之教堂短片

過盡千帆

過盡千帆 : 王攀元繪畫藝術
台北歷史博物館個展 

王攀元(1909-2017)，台灣畫家，享年109歲，用繪畫畫出了他的人生，簡單卻非凡。

自述:

來自何方？出生名門、無父無母、來自西方、日落東方。

一生坎坷，淡薄名利，與其說他孤寂作畫，我卻認為他是悠然的享受他作畫時的每分每秒，寂靜中描繪他心念，尋找生命之根源。

畫家的畫風，看似簡單，卻是功力十足。他筆下的一石一島、一鳥一犬、一牛一馬，就如他自已，在一筆筆、一層層的天地中，找尋自已生命之所系。

他曾說:

檸檬黄、天藍、普藍、西洋紅、橘红、黑色在繪畫中，如果不能善用此六種基本色彩，不論你的技巧如何高明，設色如何清新，畫出來的作品空無细胞，無水分，當然更談不到生命何在。

假使要想做一個偉大的藝術家，那麽必須提醒你自已，不要隨波逐流，看別人怎麼畫。你一定要自已想怎樣畫，就怎樣畫，去走那弧獨的道路，總有一天會柳暗花明又一村的。

畫家走着塞尚孤獨的路，忠於自已！他捨不得賣畫，他最後願望，是把他的作品和手稿，放在他的紀念館中，永世留芳！這次歷史博物館為他辦了個展，讓更多人看到畫家的生命之作，領入一幕幕清而遠的意境，也圓了畫家的夢。

王攀元短片

La Pietà

La Pietà (1498-99 年作)
米開朗基羅作品 (1475-1564)

Michealangelo di Lodovico Buonarroti Simoni

大理石雕刻藝術 174 x 195 cm 
梵蒂岡聖彼得大教堂收藏

Pietà，來自意大利文 Pity (憐憫) 及拉丁文Piety，是指「描述聖經中，聖母瑪利亞懷抱著被釘死的耶穌時、悲痛萬分的情形」為主題的畫作或雕刻。中譯有《哀悼基督》、《聖母憐子》、《聖殤》、《悲慟》等。自13世紀以來，已有不少這題材的作品。1496年，才23嵗米開朗琪羅，應法國紅衣主教之邀，創作 Pietà。

米開朗琪羅精選用了一塊巨大的大理石，用两年的時間，小心奕奕地把石雕出了「血與肉、神聖及光榮」。整個構圖是一個金字塔形，為使耶穌趟在聖母的懷抱裡，聖母的身體顯得比較大，相對頭比較小。

聖母的臉下垂、雙目微閉，緊鎖的眉宇與雙唇，從靜寂、深切的悲傷中、接受了她愛子的死亡。母親柔軟的長袍和斗蓬，襯托出耶穌的柔弱肉身，頭往後仰，臉卻是如此的安詳。如此精细的刻畫的身軀和祂的五傷、耶穌人性的生命可已結束了。聖母的悲傷，痛在深處。傷痛中流露出悠雅、慈祥的氣息，攤開她的左手，宣示我們，耶穌捨身，救贖了世人。

作品完成後，年青的米開朗基羅，從此一舉成名！他所刻畫出的年青聖母，是純潔、崇高，神聖的化身。年青的他，驕傲而自豪。在一次聽到參觀者看到他的作品，竟誤會是另一位雕塑家的作品後大怒。他趁夜入教堂，在聖母像胸前衣帶上刻上米開朗琪羅名字。事後他深感後悔，Pietà 也成為他唯一署名的作品。

1972，雕塑遭人為破壞，從此作品被放置在一大片防彈玻璃後面，加上圍觀的群眾，要看個仔細，已不容易。請點選以下影片，可以完整細賞米開朗基羅的 Pietà 。

Pieta  影片
Photo courtesy of Wikipedia

阿富汗少女

阿富汗少女，1985年攝。

國家地理雜誌封面照片

攝影師麥柯理 Steve McCurry  

台北當代藝術館展覽

這刺骨穿透的綠眼睛，充滿仇恨，國亡家破，誰來相援？！1985年，身為戰地記者的美國攝影師麥柯理，在巴基斯坦難民營裡，用鏡頭為這位13歲少女記錄了她的控訴，引發世人正視戰爭的殘酷。攝影師也因此一舉成名，獲獎無數。在他的一生中，出生入死，記錄戰亂與貧困，積極致力於世界和平。

印度雨季中的裁縫，1983年攝。

裁縫的縫衣機當然泡水了。當縫衣機厰商看到麥柯理的照片刋登在雜誌封面後，就自動送一台新的給那裁縫了。

麥柯理:

我大部分的照片都是關於人，我會尋找那些沒有防備的時刻，並去捕捉其中的靈魂與本質，特別是那些顯露在臉孔上的經歷與痕跡。我試著去以寬廣的背景脈絡來呈現個體的樣貌，我想你們會稱這個為人類的存在。

印度孟買的女乞丐，1993年攝。

麥柯理:
那時是雨季，我坐在計程車上等待紅燈。一名女子抱著孩子靠近車窗，我舉起相機按了兩下快門，然後車往前開了。一切都只發生在七、八秒內。

駱駝與油田大火，1991年攝。

科威特油田在戰亂中被燒毀，生態被消㓕的史實，令人觸目心驚。麥柯理能拍出這樣的照片，需有無比的勇氣與堅強的使命感。麥柯理稱自己為攝影藝術家，美美的畫面，卻是戰爭悲痛的投訴。然而，人類始終沒有覺醒，更甚是變本加厲，殘害滄桑，禍害人類，教人悲痛! 麥柯理鏡頭下美麗的哀愁，教人心酸。在展場中，相機快門聲，此上彼落，像給麥柯理致敬，願麥柯理的精神長存，還我人間平安。