南吳北齊

https://www.wikiart.org/zh/qi-bai-shi/all-works#!#filterName:all-paintings-chronologically,resultType:masonry

白石老人畫蝦 

齊白石(1864-1957)

圖片取自 Wiki Art

九十歲白石老人畫蝦。其晶瑩剔透，「似動非動」的嬉戲於「似水無水」中，唯肖唯妙。齊白石言「作畫妙在似與不似間，太似為媚俗，不似為欺世。」畫畫趣帶點幽默，雅俗共賞，老少咸宜，成為那段苦難中國的甘飴，溫暖了人心。

四時花卉屏 (1913年作 69歲)

吳昌碩 (1844-1927)

144 × 56 cm (一屏4 軸)

圖片取自中國嘉德

https://amma.artron.net/observation_shownews.php?newid=1103024

吳昌碩與齊白石相差20歲。生於最動盪的中國，內憂外患，戰亂不絕，民不聊生的時代。他們分別在上海及北京藝壇活躍。靠著自己的努力和創新，在亂世的中國畫壇上，各有建樹，並稱為「南吳北齊」。

吳昌碩說自己，50才學畫。那時候30歲的齊白石也才開始學畫。吳昌碩以金石入畫；齊白石14歲起作木匠，學習木工雕花。兩人同時以篆刻聞名，其畫風同是剛勁古樸。

齊白石相當敬重他同代的大師吳昌碩，曾說「一生沒畫過吳昌碩」。又說「青藤雪個遠凡胎，老缶（吳昌碩號）衰年（晚年）別有才。我願九泉為走狗，三家門下轉輪來。」他把吳昌碩與徐渭、朱耷並列，並願意追隨其門下。在他的畫中，我們可以見到吳的影子。吳昌碩可不屑的笑道：「北方有人學我皮毛，竟成大名」。齊白石日後成名，自諷而刻了一枚印章，謂「老夫也在皮毛類」。上海與北京不遠，南吳北齊，卻始終緣慳一面。

齊白石晚年，開創了「衰年變法」，奠定自己的風格。他畫「文人畫題」外的農家樂；畫瓜菜、玉米；畫青蛙、小雞爭蚯蚓；畫油燈、算盤；畫蟹、畫蝦；變吳昌碩的剛勁厚實為平易活潑。這些，吳昌碩是看不到了。

齊白石作品

「值！」

「值！」

"I am proud of myself." Said the Eastern Taiwan farmer, Mr. Lin.
46 x 38cm 膠彩布本

我家有個小菜園，老伴說叫「農圃」。我們在香港中文大學新亞書院唸書時，就每日走著「農圃道」返校，也算是「農圃」的來由吧。那少年的他，也許還沒有想到老來又再走入「農圃」！

還記得前兩年，我們一直在找農地。他的同事，在八里買下了六百畝地，說要做農夫。奇怪的是，唸科學的人，都愛務農。最近聽他說要賣地。農夫一有空，就要往農地跑。除草、耕種、澆水，一天也不可閒。夫人開始抱怨「老伴不見了」，「農夫」可真的不好當呀！

我家的「農圃」約十坪（360平方呎），種些地瓜葉、南爪，木瓜、香草、果樹等等。因沒用農藥，眼看可收成的瓜菜，隔天就被蟲、松鼠等吃掉了；或又來一陣大雨或颱風，心血盡廢。然而，只要農夫及農作物都不放棄，雨過天晴後，「農圃」回復生機，變得更茁壯。看到木瓜一個個的掛在樹上，又不禁滿懷希望。看到滿園盛開的花，更是辛勞的代價。嘗一口设有農藥的地瓜葉，一切辛勞、担憂、期待所换來的喜樂，值！

「農圃」的喜樂 (Jinna 攝影)

去年遊台東，遇見健談的林先生，給我們上了一課務農之樂。回想自已做了一輩子農夫，他向天舉起了手指，笑道:「 值！」

Hi, 我是 Jinna

Hi, 我是 Jinna
46 x 38cm 膠彩布本

畫家都愛畫自畫像，畫自己不用付費，何時何地，愛怎樣畫都可以，是最配合的好對象！畫自己非自戀，假如連自己也畫不好，又怎樣去畫別人呢？一次又一次的練習，就有一次又一次的進步。

畫自畫像不求像不像，而是你想表現甚樣的你。我們看梵谷、哥更畫了這麼多自畫像（請看我七月份所刋登的梵谷、哥更自畫像兩篇文章），倣如孫悟空變法，變了個造型，變了個背景，變了個色調，生動有趣。有人說："It's a window to the soul "，我翻譯為 "這是通往心靈的視窗"。畫的是畫家的神韻，一個對自我的記錄。由眼傳心，由心傳手，畫出了自己的性格、喜愛、真誠。所以，下次當你拿著照相機自拍時，也可以嘗試拿起一面鏡子，纸和筆來，畫個自己，給自己一個驚喜。（請點選自畫像教學影片。）

帶頭巾的男人, 1433年作.
Portrait of a Man in Turban
揚.凡.愛克 Jan Van Eyck(1390-1441)
木板油彩 26 x 19cm
倫敦國家美術館藏

這是西畫史上第一幅畫在木板上的自畫像。揚.凡.愛克用油調製色彩（有別於水性調製的濕壁畫 Fresco，和以蛋調製的蛋彩畫 Tempera)，被認為是油彩的創始者。油彩乾得很慢，容許畫家能慢慢的畫，不斷的修正，作出很細緻的畫。揚.凡.愛克是十五世紀、赫赫有名、北方「文藝復興時期」的藝術家（相當於中國明朝）。在他細膩和廹真的自畫像中，我們還可以看到畫家想告訴我們真實的、身與心完全的他，這卻非照相機可以做到的。

當莫內遇見吳昌碩 (三)

上期探討了吳昌碩的藝術，我們再來看莫內以科學研究為本、探討求新求變、一步一腳印的藝術。

By Claude Monet - 1. Unknown source2. 2QE-QPkJp0h94g — Google Arts & Culture, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2326984

1. 穿綠裙的女士，26歲作，傳統學院派技法 。

By Claude Monet - Unknown source, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=506301

2.穿日本和服的莫內夫人， 35歲作。

By Claude Monet - art database, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=23750619

3.日出，印象，32歲作。「印象派」之所以得名之作。

By Claude Monet - EwHxeymQQnprMg — Google Arts & Culture, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22174454

4.戶外人物寫生。46歲作.

By Claude Monet - http://www.interagir.com/?entryID=122, Public Domain,

 https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4376094

5.穀堆：晨光中，50歲作。乃一系列在不同時光中所作的「穀堆」作品之一。  

  

By Claude Monet - the-athenaeum.org [1], Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=5749305

 6.水蓮及日本橋，59歲作。  

 

By Claude Monet - Own work, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=36388866

7. 雲中水蓮，80-82歲作。眼晴動手術後，視力好轉。作品幾乎完全脫離形似，為日後「抽象派」領路。

當莫內遇見吳昌碩 

莫內（1840一1926），法國畫家，印象派創始人，享年84嵗。提倡「走出戶外去寫生」，以科學實驗的精神，繪畫景像光與影變幻的瞬間。同時深受當時巴黎流行的日本版畫影響，開始以豐富彩色和平塗方式作畫。晚年倣照日本亭園模式，自建蓮池，專注水蓮寫生，共20餘年。

莫內長期的在戶外作畫，強烈的光線使他終於患上白內障，視力嚴重受損。我們看到他後期的作品，幾乎是「抽象」了。(請注意在莫內的年代中，「抽象」一詞，還未出現)。我想，莫内在他最後生命中所畫的，不是用「眼」而是用「心」畫的蓮池，求神韻於形上，正與吳昌碩所心儀的，同出一轍。

鴉片戰爭爆發，中國門戶頓開，從此中西文化相會了。中畫受西畫的影響，打破傳統格局，展現了多姿多彩的畫風。西畫受中畫的影響，拋棄學院框架，重視個人特色，派別林立。莫內與吳昌碩，正是這劃時代的見証。

老天爺賦與兩位中、西畫家長壽，來完成他們的使命；賦與他們睿智，去探索自己的路；賦與他們毅力，成為果敢的革新者；使他們在有生之年，已成功地享有聲譽和敬重；對同期及後世，影響深遠。我們且把這兩張荷及蓮，放在一起展出，讓兩老穿越時空相遇，憧憬著兩老握著手，互相敬重的說「幸會！幸會！」

（全文完）

莫內水蓮影片
Photo courtesy of Wikipedia

當莫內遇見吳昌碩 (二)

四時花卉屏，(1913作)
吳昌碩(1844-1927)

144×56 cm (一屏4 軸)

右一牡丹，題識：「酒滿金罍，富貴花開，詠花愧乏青蓮才。癸丑六月，吳昌碩。」

右二荷花，題識：「荷花荷葉墨汁塗，雨大不知香有無。頻年弄筆作狡獪，買棹日日眠菰蘆。青藤雪個呼不起，誰真好手誰野狐。畫成且自掛粉壁，溪堂晚色同模黏。癸丑六月朔揮汗為之，安吉吳昌碩。」

右三菊花，題識：「年年頭白東籬叟，種得鞠花大如斗，酹以玉瓶桑落酒。昌碩寫於扈。」

右四梅花，題識：「花明晚霞烘，干老生鐵鑄。歲寒有同心，空山赤松樹。癸丑六月，吳昌碩。」

吳昌碩，把「酒滿金罍，富貴花開」配上「歲寒有同心，空山赤松樹」；嬌艷的洋紅、配以素雅之水墨；牡丹之富麗、配以梅菊之高貴。畫墨荷之旺盛、而不失瀟灑脫俗；描牡丹之嬌艷，卻也作了刻意的留白。《四時花卉屏》，創造出貴而不驕、艷而不俗，「雅俗共賞」的畫風。吳昌碩乃集「詩、書、畫、印」於一身，創下「文人畫」的新景界。

吳昌碩曾言自己30歲時學寫詩，50歲才學畫。又言「平生得力之處，在於能以作書之法作畫。」吳昌碩年輕時曾以刻印謀生，擅書「石鼓文」。31歲後，移居蘇州，結交吳中顧麟士等知名畫家及收藏家，交流畫藝，並閱歷大量金石碑文、璽印、字畫。遂以能灌金石之氣入驕媚之花卉作品中，渾然成就了一種剛勁、古拙、渾厚「金石派」的特色。

這次展覧中之墨荷，墨色太濃，裝裱已老舊，非吳昌碩上承之作。吳昌碩畫荷，自是畫心中之意境。這種強調修養、內練、功力，講究「氣韻生動」，做起來實在不易呀！不重型似，但求神韻的傳承，千年以內，使中國水墨畫一直處於「唯心」論的型式中，與現實脫節，少了西方美術史「一步一腳印」的過程。
（請看下期待續。）
請欣賞: 吳昌碩的荷花，如酒醉人！
photo courtesy of 壹讀 原文中插圖(https://read01.com/xABE2D.html)

當莫內遇見吳昌碩 (一)

台北故宮，正在展出「清未民初的上海畫壇」，共介紹 58 幅自1850 - 1930年間，以吳昌碩為首「海派」畫家的作品。與此同時的歐洲，「印象派」正在崛起，莫內就是其中的創始人之一。這兩位生在同一時代，相隔千里、互不相干的中、西畫家，在相距一年的時間內，畫下了相同主題的畫 - 墨荷及蓮池。「當莫內遇見吳昌碩」一文，即將要探索兩者之同異與優劣。

吳昌碩（1844 -1927) 74歲(1917)時作

143 x 70.9 cm 軸，台北故宮收藏

 
 莫內（1840 -1926) 76 歲(1916) 時作

 200x 201cm, 現藏東京美術館

話說當時的上海，因西方國家欲打開中國緊閉的大門，發動鴉片戰爭。清朝戰敗，簽立各項不平等條約，上海遂成為「國際通商」的五個貿易港之一。通商使上海繁榮，製造了城市的「新富階級」，間接帶動了書畫市場的熱絡。租界區內相對的安定，凝聚了各地各派畫家的互動與交流。所謂「海派」的藝術風格，應運而生。

中國「文人畫」，這一直把持着中國自宋朝起繪畫命脈的畫風，認為畫家應具文人的修養、學問，來表現畫家的內涵。畫家須具備詩、書、畫、篆刻等四樣合璧的能力。畫家要講究品味，著重筆墨趣味。更要為崇高的氣節，不褻以賣畫謀生。這使中國畫，一直以水墨山水為主流。像牡丹、這種代表富貴的主題，至今，我們根深蒂固的思想中，還是覺得「俗」。然而，這正是民間和國際人仕所喜歡及看得懂的東西。吳昌碩「雅俗共賞」的畫風，正在此時此地，為中國繪畫史，開拓了另一片天空。
（請看下期待續。）
鴉片戰爭短片
photo courtesy of National Palace Museum of Taiwan & Wikipedia 

梵谷自畫像

自畫像 Self Portrait (1889)
文生 . 梵谷 Vincent Van Gogh (1853-1890)
油畫 65 x 54 cm

法國奧塞美術館收藏

這是自學畫家梵谷，人生最後畫的自畫像。有別於其他的自畫像，他以平和的色調，來完成全畫。夢幻的圖騰、扭曲的筆觸，安然中仍帶着騷動。褐色的髮鬚、緊繃的眉頭、閉合的雙唇、懷疑的目光，仍傳達着不安與不甘。

梵谷把作此畫後的心情，给弟弟西奧寫道: 

「請你細看這幅畫，我希望你會注意到我的情緒已較平靜，雖然我的眼神還是那樣的不安。」他在告訴西奥，他的病情，已有好轉。此畫作完成於1889年9月，離他逝世的日子，1890年7年29日，還有11個月，那時候的梵谷，對人生仍然抱有希望。

梵谷在世37年，共畫有37幅自畫像，記載了他失敗的現世人生，和傑出的藝術人生。

文生.梵谷 (1853-1890)

* 19世紀畫家，生於荷蘭，生活於法國，與塞尚、高更同為「後印象派 Post- Impressionism」三傑。

* 其父為新教牧師，育有六名子女。長子文生夭折，梵谷誕生，亦名文生，取代去逝長子。梵谷堅守信仰，悲憐弱勢，擁有狂熱的救贖使命。

* 11歲，就讀於私立寄宿學校，學法文、英文和德文，喜歡文學和繪畫。15歲休學。

* 16歲，進入其叔父在巴黎經營的藝術經紀公司，學習銷售藝術複製品，並大量閱讀古今藝術，及常流漣於博物館，培養了鑑賞美術的好眼光。

* 20歲，受初戀失敗打撃，無心工作，造成同事與顧客不滿，不得不請辭。

* 23歲後，屢嘗失敗的命運，得不到渴求的愛情、受解顧的店員、不被神學院取錄的學生、受辭退的臨事傳教士等等。他像個天真的局外人，不懂如何融入這複雜的人世。

* 25歲，他如願成為傳教士，赴煤礦區與貧苦人一起，同住同食；為礦工讀聖經，安慰病人。生活困苦，仍不放棄讀書和作畫，畫下礦工的辛勞。他如苦行僧般履行使命，被上級認為他「有損教士的尊嚴」，而遭解職。在極度失望中，梵谷放棄了傳教工作。

* 27歲，在弟弟的建議和經濟緩助下，決心要當畫家，遷入海牙的一間畫室。在表兄畫家毛沃指導下，完成第一幅色彩單調的油畫。

* 28歲，出於同情，與已懷孕及帶着一個孩子的妓女茜恩同居，導入愛河，因家人反對而終結。

* 30-35歲，專心研習，勤奮作畫，常模倣米勒，寫的是平凡中的豐盛。認識了印象派的畫家後，及受日本色彩鮮明的版畫影響，開始用強烈彩色和筆觸，形成自己獨特的風格，然作品卻無人問津。

* 35歲，在巴黎認識畫家高更，並邀來訪其阿爾的住所，一起作畫，一起計劃梵谷心中的「藝術家公社」。在梵谷過度期望下，友情告急。失望之餘，割下左耳下部，送交一名妓女。次日，警察發現他受傷卧床，把他送入醫院，高更離去。

* 35-37歲，梵谷的信中，寫下曾有多次的精神崩潰，後世研讀他確實患有一種癲癇症，伴有急性精神錯亂和幻覺。這次事件後，他自動進入精神病院，接受療養。兩年後出院，在麥田因槍受傷。兩天後，傷勢不治，死在他致愛弟弟懷中，年僅37歲。(下圖: 法國報章作了報導。）

https://www.atlasobscura.com/places/auberge-ravoux

梵谷27歲開始畫畫，十年內，共畫了2000幅畫，其中油畫佔900張。在生命最後的兩年、出入精神病院期間，完成人生最重要的200多張油畫。可他一生，只以低價售出兩幅畫和一些素描及複製畫。1998年，梵谷的自畫像，在纽約以7150萬美元售出。

 梵谷給弟弟西奧，寫有900封信，文彩非凡，熱情感人，成為研究梵谷藝術最可靠的文獻。

我的畫賣不出去，對此我毫無辦法。然而，總有一天人們會明白，它們的價值要遠高於上面的顏料以及我本人的生命。

情感有時強烈得令人不知不覺地工作......筆觸就像一席話或一封信裡的字眼一樣，源源而出，而且凝聚起來。

用「愛」比「沒有愛」，不是能更好更準確的去「感知」一件事物嗎？

我就是我的畫 I am my painting

梵谷的畫

梵谷以「自我」投入，畫出向日葵的天真自在、熱情奔放、親切感人(下圖)，並稱它是「my sunflower，我的向日葵」。

梵谷在世人眼中，是個完全的失敗者。他有情有義，非理性行為，為世俗不容。鄰人稱他是傻子、瘋子，他只能以藝術來規範自己無法適從的人生。梵谷的世界，沒有誡條、沒有對錯，直率的筆觸、沒有隱藏。濃烈的色彩，帶着次序與和諧，對人生依然抱着希望。 他的年代，沒人懂他。如今，他的畫，感動了千千萬萬的人。

梵谷的傳奇

美國知名導演 Julian Schnabel 的新作「在永恆之門前」，想透過梵谷的眼，講述梵谷生命後期的故事。在梵谷的世界中，只有他和他的畫。最後，梵谷被鄰居少年的惡作劇所槍傷（而非一般所說的引槍自殺），我想是對梵谷的平反。在戲中，他說他不曾擁有過槍。良善的梵谷，始終沒有舉報殺害他的人。(見拙文https://jinnaart.blogspot.com/2019/03/blog-post.html)

梵谷說：「我就是我的畫 」。梵谷的畫，生氣勃勃，熱情揚溢，沒有半點厭倦人生。梵谷的傳奇，盡在他的畫中、書信中，他教人相信，在所有的失望中，不要放棄希望。

梵谷自畫像集

less is more

Less is more

Jinna
膠彩布本 
60 x 72 cm

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少即多

去繁從簡

有捨方有得

知足常樂

高更自畫像

高更自畫像 Self Portrait with Halo & Snake(1889)
保羅.高更 Paul Gauguin(1848-1903)

木板上油畫79.2× 51.3 cm

美國華盛頓國立藝術館藏

從高更的40多幅自畫像來看，這位自學畫家天賦很高、畫風很廣。與塞尚和梵谷一樣，一生奉獻給藝術，後世稱為後期印象派三大師。塞尚活得最久，默默耕耘，成就非凡。梵谷37歲结束了自已的生命，每張畫都散發了對生命的狂熱！高更的人生，從他的自畫像來看，伴著黃色翅膀，頭帶光環，在蘋果樹前，抓着一條蛇。前景裝飾了奇花，背景平塗了紅色。他是法師、是天使、是撒旦、一心想成為頭帶光環的奇葩！

高更生於巴黎，少時曾住秘鲁。17歲做了水手，23歲做了股票經紀人，结婚生子，過着惬意生活！可他對畫畫激情，使他從一個印象派的支持者而變成印象派一份子。35歲時，他決定離妻棄子，專心作畫，從此達上顛沛流離的一生，最後病死他鄉。我們為高更婉惜同時，也為他這傳奇人生的成就喝彩。畢竟，這似乎是這野性的流浪人，必然選擇的命運。

高更很快樂的成為印象派畫家的同伙，也很快的轉向，並在非洲藝術和日本版畫中找靈感，更為找尋自已的畫風，開始流浪。43歲時，他決定放棄文明，最後到達南太平洋的大溪地，與當地土著一起生活，找尋那天真純樸，重內心本質的人間天堂！

哥更的畫，實而不華。題材原始、色調鲜明、構圖特別、創意無限，影響深遠！自學的他，没有框架束縛。野性的他，挑戰一切不可能。可自負的他，最後還是失落在那夢想的天堂。
然而，他的藝術成就，卻為他嬴得一世的光環。

高更自畫像影片

我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？

By Paul Gauguin - Museum of Fine Arts Boston, Public Domain, 

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=36264337

我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？

D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous? (1897-1898)
保羅.高更(1848-1903)

布上油畫139× 374.6 cm 波士頓美術館藏

1897年12月，保罗·高更於貧病交加、自盡未遂後，開始畫下這幅在粗麻布上，他一生最重要的巨作。

我找到了高更自已對此畫的介紹及評論，並翻譯如下：

 「這 5 x 12 呎的畫，左右上角塗上金色(就像壁畫受損露出了下面金色的牆)，有畫的名字和我的簽名。畫的右下方，一個睡著的嬰兒和三個坐著的女人。後面有兩個紫衣人在互訴心聲。中間夾雜著一個粗壯、彎著腰、舉起了手臂的人，在聽到後面的兩個人在傾談他們的命運，感到震驚。中間的人正在摘果子。孩子旁有兩隻貓，一隻白羊。神像雙手舉起，神秘的韻動著，象徵著未來。彎著手臂的人似乎在聆聽神明。最後，一個老婦安然平和的迎接死亡，故事也結束了。在她的腳下，一隻奇異的鳥抓著蜥蜴。......」

「畫的背景是森林中溪流，後面是大海，再後面的鄰島的山脈。景色看起來有許多色調，但整體的主色是藍色及韋羅內塞綠，使前景那些亮橘色的赤裸人物更凸顯.....我已完成了這件哲學性作品，可說比得上聖經，我覺得它是一件好作品。」

右邊的嬰兒及左邊的老婦，代表了生老病死、人的一生。中間的摘果人，代表人世的歡樂易得，卻不能預測自己的命運。後方的神明代表來世的生命。左前角的白鴿代表死後靈魂。一個獨自深思的人，反省人生的無解，一切生命都會隨著時光而流逝。高更的畫，只是提出疑問：「我們從何處來？我們是誰？我們向何處去？」沒有答案。

這樣的畫題，這樣的畫風，在那「印象派」活躍的年代，每個畫家都在追求生命中新鮮亮麗的題材時，當然沒有獲得青睞。高更放棄財富與文明，一生坎坷，始終忠於自己，死後作品才聲名大噪。更多的介紹，下期再續。

點選看高更作品集

古琴名師蘇思棣

蘇思棣書法

香港中文大學藝術系校友作品展(2018)

每年都會回香港，參加母校香港中文大學藝術系校友畫展。老中青校友聚首一堂，以畫會友。本期特別介紹校友蘇思棣行草軸。

燕雁無心，太湖西畔隨雲去。

數峰清苦，商略黃昏雨。

第四橋邊，擬共天隨住。

今何許，凭闌懷古，殘柳參差舞。

戊戌春日蘇思棣書

(南宋 姜白石詞 點絳唇)

蘇思棣自述「遊走於中國書畫、古琴、崑曲音樂之間，樂琴書以消憂。」昔日同窗，今為古琴名師、德愔琴社社長，並任香港中文大學與香港浸會大學音樂系古琴導師，及全球巡迴演奏，實母校之光也。聽他講解古琴技法、斲琴、打譜，深入淺出，領聽者共沉醉於古人意境中，一詳古琴之玄妙。

斲琴

良琴之製造，合「尋、斲、挖、鑲、合、灰、磨、絃」九個步驟之傳統手工藝術。「斲」乃劈、削及砍木材之意。「斲琴」即製作古琴之技法。

打譜

古代琴譜並無節奏及細節，「打譜」者必需自已反復彈演、編寫及修正，以求能演奏出古代樂章之完美和自己古琴藝術品味及造詣。

蘇思棣「堅持古法、 師生對彈」，認為「質量比數量更重要」。他說:

「古琴從來都不是大眾樂器，追溯到唐代，白居易亦有此類感慨，覺得古琴在當時未受到大多數人歡迎，還感嘆是因為西域音樂太過吸引人.........擔心同時，古琴藝術始終一代一代傳承落嚟，可以話樂器唔一定要普及，反而每個時期，有一批人對古琴真係好了解，又可以提升同豐富內容，其實已經好好。」

相比之下，他更擔心有些人倡導「重量不重質」的快速普及，會使古琴最深層的東西慢慢消失，與當下的流行音樂無異。

（節錄自香港大公網）

蘇思棣對古琴這一份的執著，就是古琴傳承之道，世世代代，生生不息。