加納婚宴

 

加納婚宴 Marriage of Cana 

Jinna 2020作品

膠彩布本 90 x 90 cm

本畫是參考英國 Ashby Folville 聖母堂彩繪玻琍繪製而成。婚宴中，酒缺了，眾人驚惶、抱怨、一片混亂。耶穌的母親向祂說：「他們沒有酒了。」耶稣將要把水變酒的神蹟，尚未發生。

前景的老與少，卻信德滿滿，平安中不帶驚惶。遠處牧人領着羊群，象徵世人跟随耶稣，豐盛知足。

畫面敘述了兩種情節，想告訴我們，有看見和看不見的神蹟。眾人因缺酒而不安，等到耶穌行奇蹟，才會相信。那些沒有看見而相信的，纔是有福的。

「加納婚宴」巡禮

聖經若望福音中記載，耶穌和他母親及門徒被邀請參加加納城的婚禮。宴會中酒缺了，耶穌命僕人將水注入六口石缸，水轉化為最好的葡萄酒，讓宴會繼續下去。西洋藝術史中，以加納婚禮為主題的畫作很多。不同年代，風格各異。

14世紀的「加納婚宴」

 畫家Giotto描繪的人物與情景，相當木納，少了生氣。

15世紀的「加納婚宴」

畫中的人物編排、佈景及道具都到位了。色彩和諧，風格清新。耶穌為全圖焦點，背景建築和人物的裝扮，繪畫得宜。我們了解到，那時代的繪畫如剪貼畫，沒有立體感。

16世紀初的「加納婚宴」

杰拉爾德.大衛作（羅浮宮藏）。同樣的佈局，卻有了立體感，只是人物之間沒有互動。

16世紀未的「加納婚宴」

德澳思作品。比起以上的作品，立體、互動都有了，卻令人感到複雜、混亂、不安。

16世紀最大幅的「加納婚宴」

加納婚宴 The wedding at Cana (1562)

委羅內塞 Paolo Verones (1528-1588)

油畫布本 6.77m x 9.94m

法國羅浮宮藏

委羅內塞把「加納婚宴」，畫成富麗豪華的盛宴。巨大畫作中，共有百多人，不同的組合有各自的活動。畫家的寫實技巧、色彩配答、立體佈局、透視效果、人物生動都有了，怎麼就不對勁呢？

委羅內塞生於達文西(1452一1519)​之後，與米開朗基羅(1475一1564)同時期，活躍在文藝復興時期。他的畫充滿世俗生活情趣，強烈裝飾趣味，後人稱之為「矯飾主義」。他把世俗的享樂，放入聖經故事中。甚至把威尼斯的富豪、貴婦、英國女王、畫家提香、丁托雷托和自己都畫入畫了。熱鬧的場面中坐著弧獨的耶穌。委羅内塞的畫，最後遭到宗教法庭的審判。

看著這些「加納婚宴」的藝術詮釋，生動有趣，也使我們看到藝術史上一步一腳印的軌跡。

委羅內塞「加納婚宴」細看

手畫手(畫引子36）

手畫手 Drawing Hands (1948)

艾雪 M C Escher（1898-1972）

石版畫28.2 x 33.2 cm

「手畫手」是一幅石版畫 (希臘文: lithograph、意為在石上描繪)，畫兩隻拿著鉛筆的手。聰明的艾雪卻靈機一觸，把一隻手倒轉了，變成了兩隻立體的手，從平面的紙中伸了出來，互相對畫。這就是艾雪最經典的作品，精細、生動、吊詭、有趣。

自畫像

Self Portrait (1943)

石版畫 18 cm

* 荷蘭知名圖形藝術家 Graphic Artist及版畫家。

* 父親是土木工程師。幼年體弱多病，渴望成為一名建築師。

* 21歲進入建築及裝飾藝術學校，學習繪畫及木刻，後轉學裝飾藝術，成為圖形藝術家。

*24歲遊歷西班牙，訪阿爾罕布拉宮。置身於摩爾式建築物中，天花墻壁上的互鎖圖案，彩色磁磚上的重複錯綜花樣、深深吸引了他，引發他對鑲嵌學的興趣。

*25歲回意大利，結婚並育有三子。經常旅行，把所見所聞，印記在他的黑白版畫中。

*38歲重訪阿爾罕布拉宮，從此他以數學代入藝術，找到了數學與藝術結合之路。

*70歲，舉行首次回顧展覧。20世紀後期，始受到世人廣泛的讚譽。

*73歲，病逝荷蘭。2002年，海地成立艾雪博物館。

藝術中的數學、數學中的藝術

艾雪作品，基於數學精密的演算，圖形包括反射、對稱、透視、鑲嵌、雙曲幾何、星狀等多面體。他以幾何分析，把景物變成視覺想像產物。他以不尋常的角度及多視角，加強景物的戲劇效果。他使用黑白的對比，創作出奇特、古怪、神秘、有趣的作品。

艾雪，用了豐富的想像，精密的頭腦，細緻的技巧，畫出488件令人不可思議的版畫作品。人稱他是「藝術中的數學、數學中的藝術」，他卻笑道：「我對數學一點也不通。」

晝與夜
Day & Night (1938)
木版畫39 x 67 cm 

描繪荷蘭的田野、鄉鎮、河流。左方的白晝與右方的黑夜在空中相遇。田地漸獑變成飛鳥，往左飛的黑鳥，與往右飛的白鳥，互相穿插，計算得很精準。用眼睛跳躍式的注視黑、白鳥群，感到牠們在飛翔。

相對論
Relativity (1953)
石版畫28 x 29 cm

滿滿一屋子的人，從不相遇，沒有交接。後人把艾雪的想法，做了實驗。

點看動畫。

*我的作品是一種遊戲，一種非常嚴肅的遊戲。

*我試圖在我的版畫中，證明我們生活在一個美麗而有序的世界中，而不是生活在一個沒有規範的混亂中，儘管有時看到的確是如此。我的主題也經常很有趣，我要證明一些我們認為的確定性，其實是極之荒謬無常。

*真實只是一種幻覺。

https://www.azquotes.com/author/4555-M_C_Escher

艾雪謎樣的作品，引領我們的錯覺，走入他的魔幻世界，使人驚豔。這種只可意會而不能言傳的藝術，請你點選艾雪的作品集，細細欣賞！

點看艾雪作品集

對石版畫有興趣者，可點選：

石版畫製作短片

*photos © The M.C. Escher Company B.V.- Baarn- the Netherlands

往事並不如煙

往事並不如煙 

Those Memorable Memories

Jinna 2021作

膠彩布本 73 x 92 cm

吃馬鈴薯的人 (畫引子35）

吃馬鈴薯的人 The Potato Eaters (1885)

文生.梵谷 Vincent Van Gogh (1853-1890)

油畫 81.5 x 114.5 cm

阿姆斯特丹梵谷美術館收藏

「我想傳達的觀點是，借著一個油燈的光線，吃馬鈴薯的人用他們同一雙在土地上工作的手，從盤子裡抓起馬鈴薯 － 他們誠實地自食其力。」 －梵谷 

這張畫刻意表達了傳统繪畫技巧上的笨拙，暗沈的色調，不合比例的物體，沒焦點的畫面，不美。與米勒不一樣，同是農民畫家，梵谷的畫更深入農民的生活中，畫他們，成為他們的一份子。梵谷用醜陋的美學，描寫了真實的農民生活，他們一起喝咖啡，一起吃馬鈴薯，一起享受貧苦中的奢華。隨後，在弟弟的資助下，他把這一幅畫印製成兩佰張版畫，讓農民掛在自己的家中。

梵谷的藝術生命只有10年，卻完成了兩千張作品。藝術史家把梵谷的藝術分為四個時期:

1: 荷蘭時期：1881-1885

作品結合宗教與藝術，暗沉、單調、充滿哀傷。「吃馬鈴薯的人」（上圖），顯示了梵谷對貧困農民的認同。「筋疲力竭」（下圖），顯示了他札實的素描功力。

2: 巴黎時期：1885-1888

梵谷到了巴黎，受印象派、點彩派及日本版畫的影響，作品充滿色彩。他的畫，成為巴黎時髦畫派的大熔爐，生氣勃勃。

3: 阿爾時期 ： 1888-1889

梵谷到了他嚮往的南方。她給妹妹寫信說：「在這裡，我不需要日本畫了，因為我告訴自己，我就置身在日本，只要睜開眼睛，把眼前的一切全數吸收就好了。」他充滿自信，把村裡的教堂，畫成他想要的樣子。

梵谷耳朵的真相

在阿爾，梵谷切掉自己的耳朵。

一直以來，大家都認為他因哥更要離他而去，憤然把左耳下半切下。然後把它包起來送給一個叫瑞秋的妓女。Bernadette Murphy 女士， 為此事從英國搬到阿爾，調查並還原了真相，寫了「梵谷的耳朵」一書。她找到了藏在梵谷自畫像繃帶下，當時為梵谷治療醫師的筆記（下圖），梵谷切掉自己整個耳朵。

究竟當天晚上發生了什麼事呢？挖寶人找出了瑞秋是酒店清潔女工的身份，梵谷深深愛慕着她。挖寶人也找出梵谷曾看了鬥牛比賽的記錄。勝利的鬥牛士，把戰勝品 - 牛的耳朵，割下送給歡眾，作為禮物。梵谷也學着，把自己的耳朵割下，送給瑞秋示愛，並囑咐她好好保管這份禮物。原來梵谷在倫敦就認識了這位阿爾的女子，可能因她而遷居阿爾城。得不到的友情、愛情及可能失去的親情 (他剛收到西奧要結婚的信) ，梵谷崩潰了。他相信自己病情嚴重，他走入了精神病院。

4: 聖雷米精神病院時期 ： 1889-1890

著名的「星空」，是白天在「病房 = 牢房」的窗前所作。在病院的日子，與瘋人為伍，使他的瘋病發作的次数更近了，他不得不以接近瘋狂的速度，在沒病的時間作畫。兩年內，共創200幅作品。此時，充滿夢幻、不安、瘋狂的梵谷，作品顯得更成熟、生動、抽象。「我把我的心與靈魂，全放進我的畫中，這令我瘋狂」。梵谷的「星空」，是他心、他的靈魂、他的夢。

一個月後的「麥田群鴉」中、路已走到了終頭，他寫道：「當自然這麼美的時候，我經歷了一段驚人的清醒時刻，我再不對自己那麼的有把握，而我的畫，也好像在夢境裡。」他迷失人生的方向，只活在畫中。三個月後，梵谷去世。

約安娜 Joanna Van Gogh-Bonger

梵谷的故事，令人心酸。梵谷的畫，令人驚嘆！我想梵谷最感謝的人，是一生支持他的弟弟西奧，可他從來沒為西歐畫過像。梵谷的成名，來自他的弟妹約安娜。梵谷去世後六個月，西奧相繼去世，留下一屋子滿堆梵谷的畫和信。在感動落淚中，約安娜重整、翻譯、編輯，使梵谷得以重新給人認識，讓人愛惜！最後荷蘭政府為這位人眼中的瘋子，在阿姆斯特丹成立了梵谷美術館。

梵谷最後寫给西奧說，由於他沒有孩子，他將自己的畫視為自己的後代。如今，梵高的孩子：表現主義、野獸派、早期抽主義、 20世紀藝術，及梵谷的粉絲，滿佈世界。

梵谷作品集。

梵谷自畫像1889(畫引子34)

自畫像 Self Portrait (1889)
文生 . 梵谷 Vincent Van Gogh (1853-1890)
油畫 65 x 54 cm

法國奧塞美術館收藏

這是自學畫家梵谷，人生最後畫的自畫像。有別於其他的自畫像，他以平和的色調，來完成全畫。夢幻的圖騰、扭曲的筆觸，安然中仍帶着騷動。褐色的髮鬚、緊繃的眉頭、閉合的雙唇、懷疑的目光，仍傳達着不安與不甘。

梵谷把作此畫後的心情，给弟弟西奧寫道: 

「請你細看這幅畫，我希望你會注意到我的情緒已較平靜，雖然我的眼神還是那樣的不安。」他在告訴西奥，他的病情，已有好轉。此畫作完成於1889年9月，離他逝世的日子，1890年7年29日，還有11個月，那時候的梵谷，對人生仍然抱有希望。

梵谷在世37年，共畫有37幅自畫像，記載了他失敗的現世人生，和傑出的藝術人生。

文生.梵谷 (1853-1890)

* 19世紀畫家，生於荷蘭，生活於法國，與塞尚、高更同為「後印象派 Post- Impressionism」三傑。

* 其父為新教牧師，育有六名子女。長子文生夭折，梵谷誕生，亦名文生，取代去逝長子。梵谷堅守信仰，悲憐弱勢，擁有狂熱的救贖使命。

* 11歲，就讀於私立寄宿學校，學法文、英文和德文，喜歡文學和繪畫。15歲休學。

* 16歲，進入其叔父在巴黎經營的藝術經紀公司，學習銷售藝術複製品，並大量閱讀古今藝術，及常流漣於博物館，培養了鑑賞美術的好眼光。

* 20歲，受初戀失敗打撃，無心工作，造成同事與顧客不滿，不得不請辭。

* 23歲後，屢嘗失敗的命運，得不到渴求的愛情、受解顧的店員、不被神學院取錄的學生、受辭退的臨事傳教士等等。他像個天真的局外人，不懂如何融入這複雜的人世。

* 25歲，他如願成為傳教士，赴煤礦區與貧苦人一起，同住同食；為礦工讀聖經，安慰病人。生活困苦，仍不放棄讀書和作畫，畫下礦工的辛勞。他如苦行僧般履行使命，被上級認為他「有損教士的尊嚴」，而遭解職。在極度失望中，梵谷放棄了傳教工作。

* 27歲，在弟弟的建議和經濟緩助下，決心要當畫家，遷入海牙的一間畫室。在表兄畫家毛沃指導下，完成第一幅色彩單調的油畫。

* 28歲，出於同情，與已懷孕及帶着一個孩子的妓女茜恩同居，導入愛河，因家人反對而終結。

* 30-35歲，專心研習，勤奮作畫，常模倣米勒，寫的是平凡中的豐盛。認識了印象派的畫家後，及受日本色彩鮮明的版畫影響，開始用強烈彩色和筆觸，形成自己獨特的風格，然作品卻無人問津。

* 35歲，在巴黎認識畫家高更，並邀來訪其阿爾的住所，一起作畫，一起計劃梵谷心中的「藝術家公社」。在梵谷過度期望下，友情告急。失望之餘，割下左耳下部，送交一名妓女。次日，警察發現他受傷卧床，把他送入醫院，高更離去。

* 35-37歲，梵谷的信中，寫下曾有多次的精神崩潰，後世研讀他確實患有一種癲癇症，伴有急性精神錯亂和幻覺。這次事件後，他自動進入精神病院，接受療養。兩年後出院，在麥田因槍受傷。兩天後，傷勢不治，死在他致愛弟弟懷中，年僅37歲。(下圖: 法國報章作了報導。）

https://www.atlasobscura.com/places/auberge-ravoux

梵谷27歲開始畫畫，十年內，共畫了2000幅畫，其中油畫佔900張。在生命最後的兩年、出入精神病院期間，完成人生最重要的200多張油畫。可他一生，只以低價售出兩幅畫和一些素描及複製畫。1998年，梵谷的自畫像，在纽約以7150萬美元售出。

 梵谷給弟弟西奧，寫有900封信，文彩非凡，熱情感人，成為研究梵谷藝術最可靠的文獻。

我的畫賣不出去，對此我毫無辦法。然而，總有一天人們會明白，它們的價值要遠高於上面的顏料以及我本人的生命。

情感有時強烈得令人不知不覺地工作......筆觸就像一席話或一封信裡的字眼一樣，源源而出，而且凝聚起來。

用「愛」比「沒有愛」，不是能更好更準確的去「感知」一件事物嗎？

我就是我的畫 I am my painting

梵谷的畫

梵谷以「自我」投入，畫出向日葵的天真自在、熱情奔放、親切感人(下圖)，並稱它是「my sunflower，我的向日葵」。

梵谷在世人眼中，是個完全的失敗者。他有情有義，非理性行為，為世俗不容。鄰人稱他是傻子、瘋子，他只能以藝術來規範自己無法適從的人生。梵谷的世界，沒有誡條、沒有對錯，直率的筆觸、沒有隱藏。濃烈的色彩，帶着次序與和諧，對人生依然抱着希望。 他的年代，沒人懂他。如今，他的畫，感動了千千萬萬的人。

梵谷的傳奇

美國知名導演 Julian Schnabel 的新作「在永恆之門前」，想透過梵谷的眼，講述梵谷生命後期的故事。在梵谷的世界中，只有他和他的畫。最後，梵谷被鄰居少年的惡作劇所槍傷（而非一般所說的引槍自殺），我想是對梵谷的平反。在戲中，他說他不曾擁有過槍。良善的梵谷，始終沒有舉報殺害他的人。(見拙文https://jinnaart.blogspot.com/2019/03/blog-post.html)

梵谷說：「我就是我的畫」。梵谷的畫，生氣勃勃，熱情揚溢，沒有半點厭倦人生。梵谷的傳奇，盡在他的畫中、書信中，他教人相信，在所有的失望中，不要放棄希望。

梵谷自畫像集

「拾穗者」臨摹

米勒「拾穗者」臨摹

Homage to Millet "The Gleaners"

Jinna 2021年作

油畫 90 x 90 cm

終於把看畫、讀畫與品畫，連起來了。此番看了名畫、讀了好畫，很想臨摹大師的作品。

多年前，在奧塞美術館看米勒的「拾穗者」時，驚喜於看到大師真跡，卻未及細賞。多年後，再詳讀「拾穗者」的身份、来由，從看畫到讀畫，主觀加上客觀，印象深刻。及至臨摹「拾穗者」後，跟着米勒走一次他的心路歷程，從看畫到讀畫到品畫，才真正的認識了米勒，印象難忘。

一筆一筆的追踪下，他的色盤單調、不鮮明。米灰色中，加有灰黃、灰藍、灰紅、灰綠；棕色與黑色，造成影子。他的筆觸很重，不精細。他的色澤，很乾枯，婦女的臉和手，特別粗糙。然，這就是他要畫的，他懂的，農民的艱辛。他的畫很粗獷，很乾枯，很來勁，如同他的人，很奮力，很堅持，為農民出聲。米勒要「以崇高的感覺對待平凡，賦予藝術真正的力量。」他的三位「拾穗者」，平凡而粗糙，卻很有力量。他是農民，也是農民的畫家，我想他做到了。

從看畫、讀畫到品畫，我真正品嚐到「拾穗者」的滋味，是苦澀中的甘美、是知足中的豐盛。

讀米勒的「拾穗者」，請看上期拙文: 拾穗者 (畫引子33)。

拾穗者 (畫引子33)

拾穗者 The Gleaners (1857)

米勒 Jean-Francois Millet (1814-1875) 

油彩布本 83.8 x 111.8 cm

巴黎奥賽美術館收藏

三代勤勞的婦人，在莊稼人忙於秋收的前方土地上，拾起剩下的麥穗。左邊戴藍帽的年輕婦人，彎着腰，左手放背，拿着麥穗，動作勤快。中間戴紅帽的中年婦人，深彎着腰，邊拾邊把麥穗放入口袋，動作艱辛。右邊戴黃帽的年長婦人站着，手執麥穗，正想重新彎腰拾穗，動作緩慢。婦人們重覆着無休止的辛勞，只為生存。

拾穗，養活了貧苦中最勞苦的人。在米勒的筆下，她們壯實的身影，帶着勞動者的高度，不卑賤，沒有哀傷。

「拾穗」是西方古老習俗，農收後，莊稼主都會留一些麥穗，憐憫貧苦的人。舊約聖經「盧德傳」中，記載孝賢的異邦婦人盧德，在丈夫去世後，仍不離不棄，跟隨她的婆婆，信奉天主，並拾穗來養活她。盧德的孝賢，感動了丈夫的兄弟波阿次，娶她為妻，並應允為其已亡兄弟之家族立嗣，保存了婆婆的支派，盧德便是這支派中，赫赫有名達味王的祖母。行善積善果，便是「拾穗」的精神。

43歲的米勒，以寫實帶點粗獷的手法，描繪了田園間的實際生活。後方，三個高堆的麥垛，忙着載運的農夫，騎着馬的莊稼主，和遠方的教堂，在曚朧中，做了配角。三個婦人，背着光，遮掩了粗糙與平凡，如三尊雕像，站立在神聖的土地上拾穗，構成一幅優美、沉重、意境崇高、歌頌最卑微勞動者的作品。1857年，「拾穗」獲展於法國「沙龍畫展」中，卻因題材而飽受中上層階級質難，一時聲名狼藉。

米勒 (1814-1875) 

* 19世紀法國巴比松寫實派最著名的畫家。

* 米勒出於法國農家，是虔誠的基督徒。幼年曾幫忙田間農作，熟悉農務，成為他日後畫作靈感的來源。

* 19歲，父親送他到肖像畫家學畫。兩年後移居巴黎繼續學畫。

* 26歲第一幅肖像畫入選沙龍，開始了肖像畫家職業生涯，日後卻以描繪農村生活聞名。

* 32歲作品成功入選沙龍，政府收購了他的作品。第一任妻子早逝，無嗣。

* 35歲與第二任妻子及九個小孩，遷往巴比松村定居。

* 39歲作品得沙龍二等獎，獲官方認可及訂購。他的畫，有知音，生活穏定。

* 56歲被選為沙龍的評委，經濟狀況好轉，卻因健康狀況不佳，無法履行政府之委托，五年後病逝。

巴比松畫派 

巴比松村

1830年至1870間，巴黎郊外，楓丹白露森林路口的巴比松村，聚集了一群熱愛大自然的現實派畫家。他們出自中下階級，許多不曾受過正統美術訓練，他們被稱為巴比松畫派。

康斯達伯(1776 - 1837)

1824 年，巴黎沙龍，展出英國畫家康斯達伯的「乾草車」，活生生的色彩與筆觸，沒有潤飾，畫出活生生的鄉土氣習，獲授金牌獎，也感動了許多年輕畫家，回歸田園，成就了巴比松畫派。

描繪自然的願望

巴比松學派，脫離浪漫主義的不切實際，傳達另一種不同於主流的美感。他們擁有描繪自然的願望，記錄農村生活的樸實，令人看到小人物的沉默刻苦，大自然的溫柔包容，和生命力的生生不息。他們著迷於研究自然中的空氣與光線的變化，熱中表現大自然的粗獷與剛強。他們是純粹風景畫的先驅，也是印象派的前驅。

米勒的畫

地平線下的農民，樸實，虔誠。站在土地上，祈禱、感恩。米勒要「以崇高的感覺對待平凡，賦予藝術真正的力量。」

米勒在他的書信上提到:

「我想把所有必要的東西，都強烈而完整地表達出來，因為軟弱的說出來，還不如不說。

「他們（巴黎藝術評論家）想強迫我接受他們的畫室內的藝術，損毀我的意志。不，不！我生為農民，死為農民。我說我所感，我畫我所見。我堅守陣地，絕不退縮；如有必要，我會作戰到底，並以此為榮。

「說實話，農民題材最適合我的天性，因為我必須承認，冒著你把我當社會主義者的風險，人性是藝術中最讓我感動的......

「對我來說，快樂的一面沒有表現出來; 我不知道它是否存在，但我從未見過它。我所知道的最快樂的事情是平靜、寂靜，無論是在森林還是在土地裡。不管土壤是否可耕種，都很美。它總是給你一種很夢幻的感覺，雖然是一個哀傷的夢，卻很美。

米勒 (1814-1875) vs 梵谷 (1853-1890)

梵谷喜歡米勒，曾多次模仿他的作品，很明顯的，梵谷不是農夫，作畫的動機及結果，截然不同。(請待以後文章分析)。

米勒 vs 梵谷 vs 畢卡索 (1881-1973)

米勒的「午睡」，寫實、安詳 (上圖1)，「人性是藝術中最讓我感動的」，代表了現實主義。

梵谷摹倣了米勒的「午睡」，卻用自己活潑的色彩和筆觸 (上圖2)，變成只屬梵谷的獨特風采，「我就是我的畫， I am my painting」。代表了後印象主義。

畢卡索索性以戲劇式的誇張 (上圖3)，使「午睡」變得自由、喜樂、甜美，「我畫我想像的，不是我看見的」，屬畢卡索「新古典時期」的作品。比一比，你喜歡那一幅 ?

米勒作品集

下期預告: 

7 月10日  :  Jinna 臨摹「拾穗者」畫作。

7 月17日  :  畫引子「梵谷」整合。

7 月31日  :  將介紹新畫引子「梵谷與米勒」。敬請留意，謝謝。