看海去

Joy 看海去

Jinna 作品

53 X 65 cm. 塑彩布本

活得自在

活出喜樂

也帶給人喜樂

一生都在尋找快樂

快樂 happiness 是短暫的

一些高興的事

一個 happy moment

過了  又得再尋找

打從心中欣喜

沒有事件

沒有時間

平安 知足
臉上掛上一絲笑容

充滿喜樂 Joy

擁有 真 善 美 的人生

不是夢想

要用心去經營

讓我們一起看海去

 

高美濕地

Gaomei Wetlands 高美濕地

Taichung, Taiwan 台中

Jinna 攝影

高美濕地，很美！高高的雲林莞草草林，從岸邊一直伸延在十公頃的沙和泥質相間的沃土上。其豐富的有機碎屑，孕育著無數的底捿生物，形成完美的濕地生態系。蒼鹭、小白鹭、招潮蟹、雁鴨在此生長繁殖，也成了遠洋候鳥往返之休息站。把大自然歸還给自然界，高美濕地，也自然成為台灣最美的野生動物保護區。

我們從長長木棧道上一直走，滿滿的人。當然、「美」是藏不住的秘密，不如懷著「美的財富，愈分享愈擁有」的心態，與上百人一起觀看夕陽西下，也是一種樂趣。木棧道上的歡欣、惬意、舒坦的氣氛，在天水相接的穹蒼下，和諧共處。朝著夕陽，我們赤足下水，踩在暖暖的泥中，追著夕陽問道 : 可否留步，我還沒有看個夠呢！

小曾

The Baker小曾

 Jinna 素描

台灣的麵包店「變天」了。麵包店迅速成長，德、法、義、日，各式各樣麵包店，應有盡有，林立於大街小巷。有些麵包店裝璜講究，麵包師傅穿上廚師的服裝，在廚房玻璃隔屏後面，做麵包給客人看。

「小曾, 你喜歡你的工作嗎? 」我好奇的問了帶著高高帽子的麵包師傅。「喜歡 !」29歲的小曾告訴我，他立志要做「吳寶春」。

松箊的誠品書店內的「吳寶春麥方店」，門口常常排起長龍，大家爭相來購買500元一個「酒釀桂圓麵包」。吳寶春曾多次參加世界麵包大賽並得獎。得獎的「酒釀桂圓麵包」是以紅酒、古法煙燻龍眼乾、胚芽、核桃、胚芽、加上精心培養的老麵，烘焙出中西合併、健康又好吃的麵包。麵包大、有點重、真材實枓，很好吃、感動人。

吳寶春少時已飽嘗貧窮滋味，十五歲當麵包學徒。在《吳寶春嚴選 感心好食材》自序寫道 :

「從小在鄉下長大，……這份珍惜及滿足，對我的味覺開發有很大幫助，直接影響到我長大成人後，對食物原味的辨識與品味能力。……我看到有機農戶堅持不使用化學農藥、不使用除草劑，採用生態防治及人工除草的方式對抗害蟲、雜草等，努力恢復土地天然的地方，就是為了種植出對人體健康有益的農作物……」。

一個有心之人，感動了大眾，招來無數跟隨者，改變了麵包店的「天空」。

「中山區, 臺北市麵包師傅職缺，招聘1903個職位」，昨天登在網站上的廣告。

蒙德里安

灰色的樹 Grey Tree (1911)

蒙德里安  Piet Mondrian (1872 - 1944)

油畫布本 78.5 x 107.5 cm 

荷蘭海牙市立美術館收藏

1910年，畢卡索及布拉克共創的立體派畫風，瘋靡了巴黎的畫家，蒙德里安也加入了風潮，畫了灰色的樹。橢圓形的架構中，樹被解體、簡化、重建。新的秩序，出現另一種的美學，依然和諧。

蒙德里安 (1872-1944)

隨著二次世界大戰接踵而來，國破家亡，山河變色。有些畫派、描繪戰爭的醜陋、人性的猙獰。有些畫派，卻希望回歸原有的次序，重建和平與和諧。蒙德里安，恰恰就是渡過兩次世界大戰的荷蘭畫家。

20世紀純抽象主義始創人之一／生於荷蘭，父為小學主任，兼教素描／少從風景畫家叔父習畫／美院畢業後成中學教師及風景畫家／1911年赴阿姆斯特丹立體派畫展，深為感動，決赴巴黎，得取立體派精髓／1914年回國，創新風格／1917《新造型主義 Neo-Plasticism》出版／《新風格》雜誌主要創辦人／1918年回巴黎，二戰後移居紐約／逝世紐約，享年72歲／與林布蘭、梵谷同享荷蘭三大名畫家殊譽／對後世建築及設計，影響深遠。

1. 我想盡所能去接近物體的最真實面，故我把一切型象都抽掉，直達物體的最基本面。

2. 繪畫的首要務必使用廣泛普及的表達式。

3. 藝術創作不為某一個人，相對的，是為每一個人。

新造型主義： 荷蘭 De Stijl 新風格派運動 

By Piet Mondrian - [1], Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37642803

紅色、藍色和黄色構圖

Composition II in Red, Blue and Yellow 1930

蒙德里安 Piet Mondrian(1872-1944)

油彩布本  45 x 45 cm 

蘇黎世美術館收藏

纯粹抽象畫派 
1.綫條：水平、垂直的綫條 ，條理分明。
2.色彩：红、黄、藍 (三原色) ，反歸原始。
3.構圖：簡單、易懂的 ，連孩子也會臨模。
4.表達：反璞歸真的手法、卻有強烈的張力。

共識之美 Universal Beauty

蒙德里安的繪畫，回歸到物體的基本，人人都懂的基礎上，自然是永不退流行，故能廣泛的應用到建築、傢具、設計、服裝、餐具等等。建立於共識之美 Universal Beauty上，百年後的今日，他的風格，仍在流行。

 點看蒙德里安作品集。

畢卡索

想像中的人物肖像 (1969-1972)

畢卡索 (1881-1973)

彩色石版畫  65 x 49 cm

台北歷史博物館展出

美國德州麥卡倫國際藝術與科學博物館館藏，國際交流巡迴展

照片取自史博網訊

台北歷史博物館，正在展出畢卡索晚年一系列「想像中的人物肖像」。29 張人像的石版畫，印在包裝纸上，乍看起來，沒有很特別，卻是出自畢卡手筆。展場看守員一直在宣導，禁止拍照。29張臉，集結畫家一生畫過的人物的臉，美的少，醜的多，郤呈現出兒畫的純真。我們且聽聽他本人的想法：

I paint objects as I think them, not as I see them.

我畫我想像的，不是畫我見到的。

A painting is the result of accumulation. For me, a painting is what is gained through destruction.

畫作是加總累積的结果。但对我來說，畫作是因破壞而有所得。

It took me a lifetime to paint like a child.

我要用我的一生，像孩子般去畫畫。

畢卡索(1881-1973)，世界著名西班牙畫家，二十世纪現代藝術的表表者。

少年已顯示出對繪畫的熱愛和才能。一生畫途順利，生前已是名利雙收。從4歲到91歲，畢卡索都在作畫，作品逾三萬多件。他聪明、投機又懂得如何領先藝壇。

1906年，他創了立體畫派，將三度空間的實物，一起畫在二度的空間的畫板上。於是人的側面與正面一起出現。鼻子看到鼻孔，嘟着的立體咀巴，放在平視的臉上。破壞、抽離現實，挑戰大眾的所認知的美。畢卡索的多元、多變、極為革命的畫風，不斷挑戰自我、時代、觀眾及評論家的精神，使他在畫壇上，建立了不可動摇的地位。

他的願望 :

我要用我的一生，像孩子般去畫畫。

在這次展出他九十歲所作的臉譜集中，表露無異。他的畫，非塗鴉者可為也。

Lily

莉莉
Jinna 2016年作
70 x 90
塑彩布本

上三期我們介绍了拾穗(1857年)、雨果肖像(1879年)及午睡(1889年)，看到十九世紀的畫家，開始抽離傳統，表現自已的風格。畫壇上各種門派林立，如印象派、自然主義、象徵主義、拆衷主義等等。1910年，俄國畫家康定斯基創作的第一幅抽象水彩畫，打破了所有具象的格局。他認為「繪畫是形象與色彩的一種组合與安排，一種心情的表徵，而非物象的再現。」

抽走了具象的模擬，「抽象藝術」應運而生。畫山非山 、畫花非花，然而一些形與色的组合，使你感到山與花的存在。這可是大大改變了畫家及觀賞者的尺度，给于两者無限的自由，作自已的聯想。畫家的創意再沒有限制，藝術評論也沒有準绳，一般觀眾說看不懂。

抽象畫是以藝術形式來表現內容。畫家運用顏色，筆觸，構圖等，來傳遞一種想法。建議觀賞時，放開心胸，自由的去欣賞，與你所看到的作一種互動。當你可以與畫中某些元素，引發共鳴，就會越看越有意思了。我想傳達的是，藝術並不是「攪藝術」人的事情，也沒有懂不懂的問題。放開界線，一天你'也會找到你所喜歡的畫作，如獲至寶。美的醒覺，造就美的品味，傳承美的創造力，可使我們成為世界的創新領導者，而非追隨者。

雨果肖像

By Léon Bonnat - http://www.histoire-image.com/site/oeuvre/analyse.php?liste_analyse=299, 
Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1422859

雨果肖像 Portrait of Victor Hugo (1877)

柏纳 Leon Bonnat （1833-1933）

油彩布本 137 x 109 cm 

巴黎雨果故居收藏

故宮展覽館，正在展覽雷昂柏纳所畫的「雨果肖像」。伯纳年輕習畫，22歲入巴黎藝術學院，50嵗榮膺藝術學院院士，72嵗出任巴黎藝術學院院長。1879年，「雨果肖像」，展出於「法蘭西藝術家沙龍畫展」。

先說說何謂沙龍？Salon，義大利文「大客廳」。16世紀，法國上流社會引用其名，成為文人雅士聚會，談論文學、藝術、科學及政治等新思維孕育之地。其後演變成為燃點革命的温牀，在法國大革命時曾一度被禁。

18世紀初，藝術學院舉辦年度「沙龍藝術展」，展覽畢業生作品，遂成為提拔新晉藝術家之重要展覽。然而作品的審選，全為學院所壟斷。米勒和柏納皆入選。梵谷等非學院派之輩，自然被關在門外。

(上圖局部)

縱使照相機已發明，畫家筆下的雨果，比起照相，卓越多了。深沉陰暗的背景，巨大的著作，雨果左手插衣襟，右手托着腦袋，佈局很傳統。然而拉近視線看看(上圖)，雨果那正視觀眾的眼神，銳利而深遠，表情自信而具威嚴。畫家穿透性的把雨果之重要地位，刻畫得傳神而精準。

雨果，法國詩人、小說家、劇作家，他所描寫 「悲慘世界」Les Miserables 及 「鐘楼駝俠 」Notre Dame de Paris ，對卑微階層的同情與表揚，與米勒及梵谷的題材不謀而合，皆成為劃時代之巨響。伯纳選雨果為题材，也算是一種符合時代精神作品。然而公眾看厭了這類型的作品，柏納也成了十九世界最後學院派的代表。

「雨果肖像」，証明了藝術品的存在，各賦有不同的意義與價值，和不同歷史的見証。

以下是雨果的生平影片：

Photo courtesy of Museum D’orsay & Wikipedia

拾穗者

拾穗者 The Gleaners (1857)

米勒 Jean-Francois Millet (1814-1875) 

油彩布本 83.8 x 111.8 cm

巴黎奥賽美術館收藏

三代勤勞的婦人，在莊稼人忙於秋收的前方土地上，拾起剩下的麥穗。左邊戴藍帽的年輕婦人，彎着腰，左手放背，拿着麥穗，動作勤快。中間戴紅帽的中年婦人，深彎着腰，邊拾邊把麥穗放入口袋，動作艱辛。右邊戴黃帽的年長婦人站着，手執麥穗，正想重新彎腰拾穗，動作緩慢。婦人們重覆着無休止的辛勞，只為生存。

拾穗，養活了貧苦中最勞苦的人。在米勒的筆下，她們壯實的身影，帶着勞動者的高度，不卑賤，沒有哀傷。

「拾穗」是西方古老習俗，農收後，莊稼主都會留一些麥穗，憐憫貧苦的人。舊約聖經「盧德傳」中，記載孝賢的異邦婦人盧德，在丈夫去世後，仍不離不棄，跟隨她的婆婆，信奉基督，並拾穗來養活她。盧德的孝賢，感動了丈夫的兄弟波阿次，娶她為妻，並應允為其已亡兄弟之家族立嗣，保存了婆婆的支派，盧德便是這支派中，赫赫有名達味王的祖母。行善積善果，便是「拾穗」的精神。

43歲的米勒，以寫實帶點粗獷的手法，描繪了田園間的實際生活。後方，三個高堆的麥垛，忙着載運的農夫，騎着馬的莊稼主，和遠方的教堂，在曚朧中，做了配角。三個婦人，背着光，遮掩了粗糙與平凡，如三尊雕像，站立在神聖的土地上拾穗，構成一幅優美、沉重、意境崇高、歌頌最卑微勞動者的作品。1857年，「拾穗」獲展於法國「沙龍畫展」中，卻因題材而飽受中上層階級質難，一時聲名狼藉。

米勒 (1814-1875) 

* 19世紀法國巴比松寫實派最著名的畫家。

* 米勒出於法國農家，是虔誠的基督徒。幼年曾幫忙田間農作，熟悉農務，成為他日後畫作靈感的來源。

* 19歲，父親送他到肖像畫家學畫。兩年後移居巴黎繼續學畫。

* 26歲第一幅肖像畫入選沙龍，開始了肖像畫家職業生涯，日後卻以描繪農村生活聞名。

* 32歲作品成功入選沙龍，政府收購了他的作品。第一任妻子早逝，無嗣。

* 35歲與第二任妻子及九個小孩，遷往巴比松村定居。

* 39歲作品得沙龍二等獎，獲官方認可及訂購。他的畫，有知音，生活穏定。

* 56歲被選為沙龍的評委，經濟狀況好轉，卻因健康狀況不佳，無法履行政府之委托，五年後病逝。

巴比松畫派 

巴比松村

1830年至1870間，巴黎郊外，楓丹白露森林路口的巴比松村，聚集了一群熱愛大自然的現實派畫家。他們出自中下階級，許多不曾受過正統美術訓練，他們被稱為巴比松畫派。

康斯達伯(1776 - 1837)

1824 年，巴黎沙龍，展出英國畫家康斯達伯的「乾草堆」，活生生的色彩與筆觸，沒有潤飾，畫出活生生的鄉土氣習，獲授金牌獎，也感動了許多年輕畫家，回歸田園，成就了巴比松畫派。

描繪自然的願望

巴比松學派，脫離浪漫主義的不切實際，傳達另一種不同於主流的美感。他們擁有描繪自然的願望，記錄農村生活的樸實，令人看到小人物的沉默刻苦，大自然的溫柔包容，和生命力的生生不息。他們著迷於研究自然中的空氣與光線的變化，熱中表現大自然的粗曠與剛強。他們是純粹風景畫的先驅，也是印象派的前驅。

米勒的畫

地平線下的農民，樸實，虔誠。站在土地上，祈禱、感恩。米勒要「以崇高的感覺對待平凡，賦予藝術真正的力量。」

米勒在他的書信上提到:

「我想把所有必要的東西，都強烈而完整地表達出來，因為軟弱的說出來，還不如不說。

「他們（巴黎藝術評論家）想強迫我接受他們的畫室內的藝術，損毀我的意志。不，不！我生為農民，死為農民。我說我所感，我畫我所見。我堅守陣地，絕不退縮；如有必要，我會作戰到底，並以此為榮。

「說實話，農民題材最適合我的天性，因為我必須承認，冒著你把我當社會主義者的風險，人性是藝術中最讓我感動的......

「對我來說，快樂的一面沒有表現出來; 我不知道它是否存在，但我從未見過它。我所知道的最快樂的事情是平靜、寂靜，無論是在森林還是在土地裡。不管土壤是否可耕種，都很美。它總是給你一種很夢幻的感覺，雖然是一個哀傷的夢，卻很美。

米勒 (1814-1875) vs 梵谷 (1853-1890)

梵谷喜歡米勒，曾多次模仿他的作品，很明顯的，梵谷不是農夫，作畫的動機及結果，截然不同。

米勒 vs 梵谷 vs 畢卡索 (1881-1973)

米勒的「午睡」，寫實、安詳 (上圖1)，代表了現實主義。梵谷用自己活潑的色彩和筆觸(上圖2)，挑戰了米勒寫實的「午睡」，代表了後印象主義。畢卡索索性以戲劇式的誇張(上圖3)，使「午睡」變得自由、喜樂、甜美，屬畢卡索「新古典時期」的作品。比一比，你喜歡那一幅?

米勒作品集

午睡

午睡 The Siesta(after Millet)1889-90

梵谷 Vincent Van Gogh(1853-1890)

油畫布本 73 x 91 

巴黎奧塞美術館藏

台北故宫，正在舉行「巴黎奧塞美術館30週年大展」。展覽選出十九到二十世纪69幅名畫、來說明那一百年間西畫畫風的轉變過程，用心很有見效。

我們看到以前的西畫題材，都是美美的神話，宗教的欽崇、歷史的故事，富人的肖像等等。十九世紀，工業革命後，畫家開始畫一些不一樣的題材，畫家的想法，遠遠比較以往學院派精準的技巧，來得重要。

藝術大展宣傳簡介的封面，在云云眾多的巨作中，還是選了梵谷的「午睡」。這被後世人所肯定的「天才」，卻是一生潦倒，靠他弟弟資助下，從事繪畫。他用藝術來規範他無法適應的世界。

「午睡」中，烈日當空，農夫農婦，在高高的麥垜後面，偎倚小息。全畫只用了藍與黃對比色調，營作出一個烈日午後的寧靜與從容。這裏，真實的人與物附屬於畫的整体內容中。颜色成了主角，平衡互補的色調，塑造情景。我們看不到帽子下的臉，但卻可以相信，他正酣睡中。

梵高的世界，沒有誡條、沒有對錯，忠於自已，彰顯他心中對人生濃烈的情感與希望。直率的筆觸、沒有隱藏。濃烈的色彩，帶出次序與和諧。然而，一百多年前，他前衛自創的風格，沒有得到賞識及尊重。

梵谷在他最後十年的生命中，作出二百多幅油畫。狂熱的生命力，帶著瘋狂的速度，终於在精神分裂下崩潰，死時37歲。

他的名言，「我的畫賣不出去，對此我毫無辦法。然而，總有一天人們會明白，它們的價值要遠高於上面的顏料以及我本人的生命。」有生命力的作品，永垂不朽。

  

朝元圖(畫引子#99)

元朝壁畫

Ancient Chinese Wall Painting

Yuan Dynasty,  China (1325 AD)

Photo courtesy of 潮河邊人博客

「朝元圖」是元朝道教全盛時期的壁畫，山西永樂宮(中國四大道觀之一)一千平米壁畫中之精品。內容描繪道教諸神朝拜其始祖「元始天尊」之禮儀大典。壁畫上有泰定二年，由诃南馬君祥等繪畫之題記，確實是公元1325年的作品。

壁畫以八位8.3米高的主像(南極、北極、東極、玉皇、勾陳、木公、后土及金母)為八路主神，青龍白虎為先鋒，帝王為後衛，圍繞着天兵天將，共290位，騰雲列陣 ，場面浩大，氣勢非凡。畫中人物之樣貌、表情、服飾、冠帶、道具都不一樣。 全畫以綫描與重彩繪畫，把自唐代開始以來壁畫造詣，推到至高點，成為中國壁畫藝術最高典範。

(圖選二)中人物為仙曹、太乙、玉女。構图複雜交錯、布局嚴謹、條理分明。重重疊疊的人物、個個都有细緻描繪、毫不馬虎。線條勁走流暢，柔中帶剛。色彩華麗高貴、含蓄清雅。衣帶當風，輕逸有力度。可謂兼顧大氣與细緻的巨作，難得一見，令人嘆為觀止。 1959年，永樂宮壁畫現已成功搬遷至芮城。吸引遊客，慕名而來，一睹神仙風采。

「活出色彩」已先後介绍了加拿大小鎮、台中、古埃及壁畫，和今期的中國元朝壁畫。古、今、中、外的壁畫，看起來都一樣精彩、一樣感動。藝術自古至今就活在人間，滋潤我們的心靈。